Críticas / Critiques

Acrobats / Aissa Interfaces

By Abdel Hernandez San Juan

 

 

Estoy conmovido con las piezas de Aissa, es una de esas artistas que me deja sin palabras, ella como artista y su arte explicitan la imagen del artista en la nueva era, no solo por sus obras, aunque también, sino en general, por el modo en que con ella el artista, su obra y su estilo de vida, se fusionan. No se trata en ella de practicar la poesía en la vida, como diría Bretón, sino antes bien a la inversa, de practicar la vida en el arte o con este y en como el arte puede participar en una relación espiritual y creativa más amplia del artista con el mundo cotidiano y de las tecnologías en este, ese mundo diario que es la vida misma en su belleza pasa aquí al primer plano, las obras del artista devienen interfaces tecnológicos que explicitan fragmentos de ese proceso más amplio.

Tanto la avidez heurística, lúdicra y de conocimientos, como el encuentro del artista con lo novedoso, lo enigmático o lo inesperado devienen aquí en piezas-pasajes, interfaces que no pretenden ofrecer una imagen de totalidad o sobre algún todo más que por el hecho de evocarlo. Aquí el artista deja de ser únicamente el demiurgo que extrae a la materia desde el fondo de la nada, una forma a lo informe, o simplemente el semiólogo que relaciona signos pre-dados para articularlos en sistemas iconográficos o visuales, para devenir él, sus obras y el ambiente en que vive, una y la misma cosa, este es pues el artista de la nueva era en que son los medias lo que han llegado hasta nosotros en nuestros más diminutos espacios domésticos y no nosotros quienes disponemos de ellos desde una extrinsecacion instrumental.

Estas son las nuevas relaciones entre homogeneidad-repetitividad tecnológicas y la repetitividad de los rituales cotidianos devenidos rituales modernos a que me he referido en  mi ensayo El ritual en los Mundos Tecnológicos de la Vida Cotidiana, es ese tecnosenso que ha pasado de las computadoras a los cuerpos y no a la inversa. Aquí la pieza de arte funciona como el demo o refrescador de pantallas con sus dinamismos, algo que motiva la contemplación transcendental alrededor de un diminuto fenómeno visual el cual a su vez, a pesar de su riqueza en colores y dinamismos, esta frente a uno también para simplemente refrescar los sentidos, amenizar la vista, armonizar el ambiente computarizado, algo que suple una función, aquí la de un masaje en los ojos, que puede pasar desapercibido por integrado a la vida cotidiana, tanto como reclamar por su riqueza estética, visual, sensorial y en ocasiones también sonora, nuestra minuciosa atención.

Sus sencillos ambientes tecnológicos desarrollados como computer interfaces de demos visuales abstractos en los que priman el color y el dinamismo cinematico de formas, explicitan a un nuevo artista que no solo nos está hablando del alma dentro de las nuevas relaciones entre espiritualidad y tecnología, tecnología y ambiente, sino también la evocación de un ser, ella misma como artista y sensibilidad, que está en armonía espiritual y emocional con las nuevas tecnologías. Se trata de creadores que optan por volverse artistas que habitan con sus piezas en ese espacio refigurado que las nuevas tecnologías han generado, reclamando del hombre una condición más sencilla.

Pervive aun en Aissa, si bien desde nuevos parámetros tecnológicos, el aleatorismo experimentalista que unió hace algunas décadas la relación entre cinema de la pintura y la electroacústica en la música, en este, sin embargo, adquieren primacía ecológica las relaciones entre sensibilidad, emoción y tecnología. Sus piezas de ambientes tecnológicos, recuerdan en algo aquellas suertes de microcinemas de la pintura, literalmente proyecciones artísticas que consistían en filmaciones del proceso de una pintura desde la paleta, solo que aquí el proceso es a la inversa, pues vienen a ser los fenómenos sensoriales y visuales suscitados por el computador como realidades abstractas en sí mismas o por lo que en ellas o desde ellas sugiere un determinado referente, lo que deviene objeto de atención, piezas que son demos computarizados directamente proyectados en pantallas desde el computador.

Como decía antes algo que motiva a la contemplación transcendental alrededor del mas diminuto fenómeno visual, aquí el computador mismo vuelto a la minuciosa atención. No se trata, sin embargo, con estas piezas y la atención que en ella esta supuesta como un reparar sobre la tecnología en sí misma como fenómeno, de aquel laboratorio obcecado en la simple relación entre el sujeto de la observación, la atención, la percepción, y el objeto de estas, aquello que observa o percibe, sino antes bien de un laboratorio heurístico vivo movido por búsquedas que lo son también hacia la vida y sobre esta en el cual observación, atención y percepción quedan expuestos a la exploración y a las preguntas de búsqueda.

Tampoco se trata de aquel relativismo a ultranzas sobre el punto de vista en la cuántica, no importa aquí tanto relativizar al observador declarándolo subjetivo, cuanto que llamar una atención y exaltación transcendental hacia lo diminuto, un modo también de evocarnos a nosotros mismos en el tiempo y el espacio, a nuestra nueva era y a aquello que con ella estamos deviniendo el ser, la tecnología, la sensibilidad, la memoria. Las piezas de Aissa, sin embargo, no se agotan en estos demos-interfaces tecno computarizados proyectados sobre grandes pantallas de luz y presentados en muestras tanto en el Forest Castle tecnology Lab como en F5 en el Centro de  Desarrollo de las Artes visuales, sino que ha explorado otros aspectos multiaspectualizando su búsqueda y trayendo el primer plano, por un lado, el elemento tecnológico, es decir, el generador o programador tecno visual, el software mismo. Una de las piezas a que me he referido iniciaba esto, HORIZONTE 2 Video, El paisaje urbano visto desde el sistema de ondas YC del programa de edición Adobe Premier, T: 1.00 min, como en su muestra reciente premiada en el centro de Desarrollo  SCISSORS2.

 

Siempre me ha resultado curioso e incluso agradable ver como de la cotidianidad emergen mecanismos de comunicación que influyen, estructuran, modifican el lenguaje urbano, explicita Aissa respecto a su muestra SCISSORS, Proceso que fluctúa tal cual se diversifican las herramientas que propician la inmediatez de las relaciones humanas entre tiempo y espacio. KIERS SR PART D MI RALIDAD, Lenguaje urbano cifrado generado por la exclusión semántica de caracteres producidos por la inmediatez de los msm de texto por celular. SCISSORS propone dialogar acerca de la emergencia de otras formas de lenguaje que se originan internamente dentro del sistema del cual subyacen a partir de la autonomía que imponen las nuevas tecnologías.

Este arte es sobre todo y primero vida. Se presta atención en él a esas refiguraciones propias a las relaciones entre nuevas tecnologías, reciclaje y urbanismo, algo que rebasa con creces sus apariencias según las cuales a un arte tan abundante en efectos tecnológicos y visuales no se le abría supuesto otrora semejante relación a procesos vitales intensamente envueltos en búsquedas heurísticas. Se trata pues de un nuevo tecno-sensual, liviano, light, como algunos le dicen para evocar ligero, pero estrechamente relacionado a la vida, intensamente espiritual tanto como abundante en plasticidad y productivo. Las fotografías de Aissa son tan excepcionales en calidad y riqueza como sus piezas demos interfaces tecnology environments. Estas, sin embargo, reparan en otros aspectos relativos a su búsqueda.

Mientras las piezas interfaces de procesos más amplios proyectadas para pantallas digitales con gran luminosidad consisten en microcinemas digitales de procesos visuales que evocan la pintura y el color, estas son en su generalidad abstractas en tanto las fotografías reparan en la relación entre la luz y la sombra alrededor de sencillos elementos figurativos que la artista escoge y relaciona alrededor de un setting que crea para la cámara.

Aunque el interface es un concepto lingüístico que supone el media como elemento material-coseico, como lo dice el concepto inter-fase, este subraya una fase que esta inter en un proceso que puede contemplar dos o más fases anteriores y posteriores a él, contempla también fenómenos no lineales en el sentido de cómo se da la relación de elementos en la sucesión o la secuencia, puede ser un interface entre espacios que se encuentren en relaciones variadas, tanto como contemplar procesos sincrónicos, en cada uno el interface, sin embargo, se desenvuelve de modos específicos al tipo o la modalidad.

No se trata en Aissa del interface por ejemplo como este se da en la tela aleatorista, que defino como la tela como interface en ciertas modalidades del informalismo abstracto cuando la tela en su conjunto o fragmentos de esta es colocada a la intemperie a recibir azarosamente efectos de procesos naturales que luego se retoman. En estos cuando vemos la tela en el primer plano, toda ella y lo que en ella vemos parece ser solo el interface de un proceso que solo ella retiene, si bien algo de ello prevalece en el interface que genera la proyección en gran escala sobre la pantalla para los espectadores, este elemento retenido no lo es aquí un interface  irrepetible pues puede permanecer grabado infinidad de veces en la memoria externa, en el memory flash o en el hard drive.

Tampoco es el interface en la pintura gestual como por ejemplo en las clásicas telas azules de Klein donde vemos las telas con las impresiones de los cuerpos femeninos, las imágenes de las mujeres pintadas que imprimaron su cuerpo y las vitrinas con una cantidad y peso delimitada del pigmento azul utilizado, o simplemente cuando la tela deviene interface de una composición con fragmentos como en lo que la tejana Terrell James llama Field Studies, si bien, también, algo de esto prevalece en un modo distinto. No se trata al menos en estas piezas de Aissa de aquel interface que he analizado en modalidades del procesual art como las de la brasileña Ligia Clark o la venezolana Antonieta Sosa, donde en la primera un diminuto objeto deviene interface por aquello que como elemento en si visible remite o evoca en procesos o vivencias de Ligia sola o en sus relaciones con otros.

En Ligia el elemento en cuestión se torna interface porque se vuelve el mismo altamente poético, este evoca una vivencia que, o bien no es del todo reconstruible o bien se quiere subrayar la inconmensurabilidad poética de la vivencia en sí, en Antonieta el proceso mismo es el que está en el primer plano en su presente ahora y aquí, el elemento es interface solo en tanto ese media en su presencia material y visual es vehículo a través del cual esos procesos anteriores, simultáneos y posteriores se remiten continuamente.

En estas piezas de Aissa tenemos un proceso inverso, en vez del azar en la tela, se trata de un fenómeno tecnológico que ella percibe frente suyo en el correr de un programa computarizado de software, fenómeno visual suscitado por la misma tecnología sobre el cual ella repara, el cual llama su atención y sobre el cual ella quiere llamar la atención, se trata aquí pues antes bien de ready mades si entendemos el concepto de ready made no solo en su acepción duchampiana, aunque también en esta, sino en su amplitud lingüística, la memoria corporal, por ejemplo, trabaja continuamente con ready mades de datas. En el modo de ready mades la artista escoge un fragmento de realidad de la tecnología, que es tecnología de la realidad, el cual es en sí como data un fenómeno visual y sensorial en tanto en el modo de un segundo ready made, lo proyecta en circuito continuo desde su laptop hacia una pantalla de grandes dimensiones que el espectador va a contemplar.

Aunque sería interesante abundar en como experimenta Aissa vivencial y sensorialmente esta fenómeno, lo fascinante aquí es que un proceso perceptivo que ella ha vivido, y la atención minuciosa en que toma cierta distancia hacia esa tecnología, lo transcendental en lo diminuto que aludía antes, está siendo desplegado, como en los museos de ciencias naturales, a lucir para el disfrute y regocijo sensorial de los visitantes sobre grandes pantallas, un modo de llamar a la contemplación de la naturaleza de la naturaleza en una tecnología avanzada. Cierto es que primero aquí tenemos allá afuera esa pantalla en la que contemplamos ese fenómeno puramente físico, es ese volver a reiterar frente nuestro la tecnología que esa tecnología es llamando a percibir sus efectos.

Aquí el concepto de interface es primero puramente tecnológico, es la pura tecnología que muestra a la tecnología misma, ese laptop y esa pantalla sobre la cual una información y un data físico con su correlato visual ocurre ante nuestros ojos, tenemos también, sin embargo, una relación suigeneris entre interface y ready made en tanto, por un lado, ese data, no es el mismo cualquier data, como cuando en una feria de tecnologías se muestra una tecnología y la imagen idónea que mejor le ilustra o promueve.

Antes bien aquí tenemos una relación entre el data visual y el continuum de vida de la artista, como decía antes, donde los distintos ready mades se relacionan a la memoria corporal de Aissa antes y después incluyendo la memoria misma de ese ready made en tanto no solo Aissa continua en su vida inmersa en esos ambientes tecnológicos, sino que sus ready mades anteriores, respecto a los cuales Aissa guarda la memoria sensorial de una vivencia, han devenido para ella sus propias piezas de arte. La pieza artística misma es en Aissa interface para ella y para los espectadores, tanto como para la relación entre ella y los espectadores. Muy relacionadas a la memoria corporal de Aissa, estas piezas son, algo que he expresado reiteradas veces en torno a las altas tecnologías en el mundo anglosajón como en cualquier lugar alrededor del planeta, de una sensualidad exorbitante.

 

Notas

 

1-Estas breves líneas sobre Aissa son solo una primera aproximación preámbulo a un ensayo posterior más amplio que contemple a Aissa como artista plástico y al conjunto de sus piezas que incluyen además de estas incursiones, fotografía, pintura y otros elementos, reviste como primer esfuerzo, sin embargo, un valor experimental y heurístico, estimulante y motivacional tanto para mí como para Aissa. En estas líneas sencillas experimento la posibilidad de dejar abierto a la escritura, en tanto modalidad escritural, mis primeras impresiones con una parte de la obra visual de una artista plástico y que el lector disfrute tanto lo que desenvuelvo sobre la artista como aquello que en el texto mismo supone un relacionarme a ella en la relación entre mi pieza de escritura y las piezas artísticas de Aissa.

2- Para otras incursiones mías previas con el concepto de interface leer mi ensayo Cuerpos Eticos sobre la venezolana Antonieta Sosa, mi ensayo sobre la tela como interface en las pinturas de la informalista abstracta tejana Terrell James, también incursione este concepto en mi edición del video A Zombi in Interface sobre el venezolano José Antonio Hernández Diez.

3- Respecto al título de estas breves líneas permítaseme un desliz dadaísta, evocando a Tzara y la decisión de la palabra Dada encontrada al azar en un diccionario, La noción de Acrobat de la cual me valgo en mi título de este ensayo en su acepción literal circense de acróbatas, (ver mi pieza Derrida y la Acrobacia), se utiliza junto a la noción de Adobe, palabra que literalmente describe una técnica de la arquitectura tradicional venezolana, (ver libros de Paolo Gasparini sobre el adobe en la arquitectura venezolana), para definir un programa de compatibilidad y conversión en Pdf titulado así Adobe acrobat pro 9.

 


 

 Acrobats / Aissa Interfaces

By Abdel Hernandez San Juan

I am moved with art works of Aissa, is one of those artists who leaves me speechless, she as an artist and his art explicit image of the artist in the new era, not only for his works, but also, but in general, the her way with the artist, his work and lifestyle merge. It is not in it to practice poetry in life, as Breton would say, but rather the reverse, to practice life in art or this and how art can participate in a broader spiritual and creative relationship artist with everyday and technologies in this, the newspaper world that is life itself in its beauty happens here to the forefront world, the artist’s works become technological interfaces that specify fragments of that larger process.

Both heuristics, ludicrous and knowledge avidly as the meeting of the artist with the novel, the enigmatic or the unexpected become here in pieces-passages, interfaces are not intended to provide an image of all or a whole rather than by the fact I evoke. Here the artist is no longer only the demiurge extracting the material from the bottom of nowhere, a form to the formless, or simply the semiotician that relates pregiven to articulate in iconographic or visual systems signs, to become him, his work and living environment, one and the same thing, this is because the artist of the new era are the averages which have reached us in our tiny domestic spaces and not us who have them from a extrinsecacion instrumental.

These are the new relations between homogeneity-repetitiveness technology and the repetitiveness of the daily rituals turned-modern to which I referred in my essay The ritual in the Technology Worlds of Everyday Life rituals, it is that tecnosenso happened computers to bodies and not the reverse. Here the art piece works as demo or freshener screens with their dynamism, something that motivates transcendental contemplation around a tiny visual phenomenon which in turn, despite its richness in colors and dynamics, is facing one too to simply refresh the senses, enliven the view to harmonize the computer environment, which supplies a function, here a massage in the eyes, which can go unnoticed by integrated into everyday life, as well as demand for its aesthetic richness, visual , sensory and sometimes sound, our careful attention.

His simple developed technological environments such as computer interfaces demos abstract visual is the keynote color and cinematic dynamism of forms, explicit a new artist who is not only telling us the soul within the new relationship between spirituality and technology, technology and environment, but also the evocation of a being, herself as an artist and sensitivity, which is in spiritual and emotional harmony with new technologies. It is creators who choose to become artists who live with their parts in that space refigured that new technologies have generated, claiming the man a simpler condition.

still survives in Aissa, although from new technological parameters, the experimentalist aleatorism that united some decades ago the relationship between cinema painting and electroacoustic in music, in this, however, acquire ecological primacy relations between sensitivity, emotion and technology. His pieces of technology environments, reminiscent of something those fates of microcinemas painting literally artistic projections consisting filming process of a painting from the palette, except that here the process is reversed, then come to be sensory phenomena and visual raised by the computer as abstract realities in themselves or what in them or from them suggests a certain benchmark, which becomes the object of attention, demos computer parts that are projected on screens directly from the computer.

As I said before something that motivates transcendental contemplation around the tiniest visual phenomenon, here again the same computer meticulous attention. , However, it does not deal with these pieces and attention it is alleged as a repair on the technology itself as a phenomenon of that stubborn laboratory in the simple relationship between the subject of observation, attention, perception and the object of these, what you see or perceive, but rather a heuristic laboratory alive driven by searches that are so well towards life and this in which observation, attention and perception are exposed to exploration and questions search.

Nor it is that relativism ultranzas on view in quantum, does not matter here both relativize the observer declaring subjective, as to call attention and transcendental exaltation to the minute, a way also evoke ourselves in time and space, our new era and what with it are becoming the being, technology, sensitivity, memory. Parts Aissa, however, are not exhausted in these demos-interfaces computerized techno projected on large screens light and presented in samples both the Forest Castle tecnology Lab and F5 at the Center for Development of Visual Arts, but has explored other aspects multiaspectualizando your search and bringing the foreground, on the one hand, the technological element, ie, the generator or visual techno programmer, the software itself. One of the pieces to which I referred started this HORIZONTE 2 Video, Urban landscape seen from the system YC waves editing program Adobe Premier, T: 1.00 min, as in his recent winning sample at the center of development SCISSORS2 .

I have always found interesting and even enjoyable see how everyday life emerge communication mechanisms that influence, structure, modify the urban language, explicit Aissa regarding your sample SCISSORS Process fluctuating as is the tools that favor the immediacy of diversified human relationships between time and space. PART D MI SR KIERS lessness, urban encrypted language semantics exclusion generated character produced by the immediacy of mobile phone text msm. SCISSORS proposes dialogue about the emergence of other forms of language that originate internally within the system which underlie from the autonomy imposed by new technologies.

This art is above all and first life. attention on it to those proper to the relationship between new technologies, recycling and urban refigurations, something that goes far beyond their appearances under which a so abundant in technological effects and visual arts is given it is not open course once such a relationship to processes vital intensely involved in heuristic searches. It is therefore a new techno-sensual, light, light, as some say it to evoke light, but closely related to life, intensely spiritual as well as abundant in plasticity and productive. Aissa photographs are as exceptional in quality and richness as parts tecnology interfaces demos environments. These, however, repair in other aspects of your search.

While the larger pieces process interfaces designed for digital displays with high brightness consist of digital microcinemas visual processes that evoke painting and color, these are in their abstract generality as photographs repair the relationship between light and shadow around simple figurative elements that the artist chooses and relates about a setting that creates for the camera.

Although the interface is a linguistic concept that involves the media as a material-coseico element, as stated in the inter-phase concept, this underscores a phase that is inter in a process that can see two or more before and after it phases, provides also nonlinear phenomena in the sense of how the relationship of elements in the sequence or sequence occurs, may be an interface between whitespace found in various relationships, as well as contemplating synchronous processes, in each interface, however, it operates in specific ways to the type or pattern.

It is not in Aissa interface such as this occurs in the aleatorista fabric, which I define as the web like interface in certain embodiments of abstract informalism when the fabric as a whole or fragments of this is placed outdoors to receive haphazardly effects natural processes then resume. In these when we see the cloth in the foreground, all of it and in it we see seems to be just the interface of a process that only she retained, although some of it prevails in the interface that generates the projection on a large scale on screen for viewers, this element is not retained here as an unrepeatable interface can remain recorded many times in the external memory, flash memory or on the hard drive on.

Nor is the interface in the gestural painting such as in the classic blue fabrics Klein where we fabrics with prints of female bodies images of women painted that primed your body and showcases with an amount and delimited weight blue pigment used, or simply when the fabric interface becomes a composition with fragments as what James called Tejano Terrell Field Studies, but also some that prevails in a different way. It is not at least in these parts Aissa of that interface which I have analyzed in modalities of art procesual as Brazilian Lygia Clark or Venezuelan Antonieta Sosa, where at first a tiny object becomes interface for that which as an element itself evokes visible forwards or processes or experiences of Ligia alone or in relationships with others.

In Ligia the item in question interface becomes because it becomes highly poetic same, this evokes an experience that either is not completely rebuildable or want to emphasize the poetic incommensurability of the experience itself, in Antonieta the process itself is which it is in the foreground in your present now and here, the interface element is only while the average in their material and visual presence is the vehicle through which those previous, simultaneous and subsequent processes are continually refer.

In these parts of Aissa have a reverse process, instead of chance on the web, it is a technological phenomenon she perceives his front in the running of a computer software program, visual phenomenon aroused by the same technology on which it repairs, which calls your attention and which she wants attention, it is here as rather of readymades if we understand the concept of ready made not only in its duchampian sense, but also in this, but in its linguistic breadth , body memory, for example, continuously works with readymades of datas. Mode readymades the artist chooses a fragment of reality technology, that is reality technology, which is itself as data a visual and sensory phenomenon in both mode a second ready made, projects it on continuous loop from your laptop to a large screen that the viewer will see.

Although it would be interesting to elaborate on how experiences experiential Aissa and sensually this phenomenon, fascinating here is that a perceptual process she has experienced, and the meticulous care he takes some distance to the technology, the transcendental in tiny alluded to earlier, it is It is deployed, as in natural science museums to look for enjoyment and sensory delight of visitors on large screens, a way to call the contemplation of the nature of nature in advanced technology. It is true that first here is that screen out there in which contemplate that purely physical phenomenon, is to reiterate that our technology against technology that is calling to perceive its effects.

Here the concept of interface is the first purely technological, is pure technology showing the technology itself, the laptop and the screen on which information and physical data with visual correlative happening before our eyes, we have also, however, one sui generis relationship between interface and ready made while on the one hand, that data is not the same any data, like when a technology fair technology and the ideal image that best illustrates and promotes shown.

Rather here we have a relationship between the visual data and the continuum of life of the artist, as I said before, where different readymades are related to body memory Aissa before and after including the same memory of that ready made while not Aissa only continues in his life immersed in these technological environments, but their previous ready mades, for which Aissa saves sensory memory of an experience, have become their own pieces for her art. The showpiece is Aissa same interface for herself and for spectators, as well as to the relationship between her and the audience. Closely related to body memory Aissa, these pieces are, something I have repeatedly expressed about high technologies in the Anglo world as anywhere around the planet, an exorbitant sensuality.

notes

1-These few lines about Aissa are only a first approximation preamble to a wider further testing that includes Aissa as an artist and all its parts including addition of these raids, photography, painting and other elements, coated as a first effort however, an experimental and heuristic, stimulating and motivating both for me and for Aissa value. In these simple lines experiment the possibility of leaving open to writing, in both scriptural form, my first impressions with a part of the visual work of one artist and the reader enjoy both what I unwrap on the artist as what the it is a text relate to her in the relationship between my piece of writing and artistic pieces of Aissa.

2- For other previous forays mine with the concept of interface read my essay Ethical Bodies on the Venezuelan Antonieta Sosa, my essay on the web like interface in the paintings of abstract informalista Texas Terrell James, also forays this concept in my video editing a Zombie in Interface on the Venezuelan Jose Antonio Hernandez Diez.

3- Regarding the title of these few lines one Dadaist let me slip, evoking the decision to Tzara and Dada word found in a dictionary at random, the notion of Acrobat which I am worth my title of this essay in its literal meaning circus acrobats, (see my piece Derrida and Acrobatics), used in conjunction with the notion of Adobe, a word that literally describes a technique of traditional architecture Venezuelan, (see books Paolo Gasparini on the adobe in Venezuelan architecture) to define a program compatibility and conversion into PDF and Adobe acrobat 9 pro titled.


Circuito Eclipsado: A Propósito de Scissors

©By Abdel Hernandez San Juan

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SCISSORS/ Beca de creación ESTUDIO21, CDAV, La Habana, Cuba

Apertura

 

El espectador en el arte es un viejo, llevado y traído tema el cual ha recorrido toda una variedad de esferas axiológicas tanto para la crítica del arte como para su práctica, con el advenimiento de la fotografía y otros fenómenos que desauratizaron los parámetros tradicionales de la obra única e irrepetible, en el lado de la creación artística, y de fenómenos provenientes de la lingüística estructural como la semiótica y otras formas de aproximación al arte que intentaron situar este como un fenómeno signico en el mundo social, las concepciones clásicas de la estética relacionadas en la filosofía a la contemplación sublime y otros aspectos de la sensibilidad, el concepto de espectador inicio a vivir en el arte por varias décadas toda una era critica que intento deslastrarlo del sentido pasivo o acrítico que supuestamente había adquirido con el contemplativismo de la estética clásica, en tanto, paradójicamente, con la progresiva saturación en que dieron al traste ambas cosas, la sobrepragmatizacion del arte desde el lado de su creación, y su sobresemiotizacion en el lado de su apreciación y aproximación, aquel otrora arte signo, arte texto, y arte pragma, comenzó a palidecer frente a, como discutía Boudrillard, la paradójica indiferencia que el arte pragma y su semiótica, suscitaba en ese mismo mundo social regido por otra infinidad de formas signicas y textuales que saturan los mundos socioculturales en que los mismos espectadores resultan entonces escindidos de sus relaciones de sentido y sinestesicas a sus propias experiencias vitales en la apreciación sensible, hacia los fenómenos del arte.

El circulo que intentaba cerrar la estética clásica con la semiótica, no pudo, ni en la crítica ni en la práctica del arte, establecer el remplazo, los esfuerzos del arte cinético y óptico por volver más participativo al espectador creando estructuras espaciales por las que estos atraviesan formas interactivas comenzó a resultar en una imagen cómica de su opuesto, la imposibilidad de que un espectador pudiera ser realmente participativo, deviniendo en el espacio en una caricatura visual de lo que sería una participación la cual no puede escapar de ser una imagen de participación, el cómo sería de algo así como un espectador participativo vuelto imagen y no una participación real.

La semiótica, que intentaba situar al arte como un fenómeno textual separando en el cuerpo de las obras, sus signos y elementos, para luego situarlos en su relación a fenómenos textuales más amplios, termino, por un lado, dando muerte a la estética en reificaciones de la sociología y la antropología que se tornaron en ideologías del gusto, y, por el otro, diluida en formas varias de textualizacion del arte que con el implosionismo institucionalista que se establece en la institución arte desde los ochentas, toma posesión del cuerpo del arte, del arte como cuerpo y de las relaciones entre cuerpos, vidas y obras, esas que definen la relación directa entre el artista, su proceso creativo, su mundo societario y alternativo de vida, sus obras, y el dar a conocer de las mismas.

 

Desarrollo

 

Frente a lo antes esbozado, llama la atención el modo en que Aissa Santizo se decide a traer al primer plano la imagen del espectador dentro de su obra y muestra scisors correspondiente a su premio de creación, recientemente expuesta en el Centro de Desarrollo de las artes visuales.

Llama la atención, porque por un lado, Aissa escoge remitir el espectador a la imagen del circuito cerrado, la idea en la práctica artística usual, de que algún dispositivo, bien sea este tecnológico o meramente visual, active dentro de la obra y haga formar parte en esta la misma imagen del recorrido del espectador por la muestra, en tanto, por otro lado, sugiere que quizás una posible salida del circuito cerrado que la obra explicita, sea su propio teléfono celular que se mueve con ella a donde quiera que ella se desplaza y desde donde ella puede llamar y ser llamada.

Esta relación al celular, es explicitada en la obra debido a que la muestra como un todo se compone únicamente de dos paredes, las dos situadas en los extremos opuestos del espacio y en dos salas distintas, en una de ellas, el texto que los espectadores intentan leer es, aunque en grandes dimensiones que aluden a tipografías alfabéticas, literalmente ilegible, mientras en la otra, en la que solo se ven las imágenes continuas proyectadas de los espectadores recorriendo la exposición en la sala, el texto antes ilegible se hace legible preguntándole entonces al espectador que se encuentra ante la obra, quieres ser parte de mi realidad?, un texto que según Aissa, aunque en ningún lugar de la muestra pareciera escrito o dicho, ella tiene en su celular no precisando si escrito por ella misma y entonces proyectado desde su celular, o si es un texto que el celular trae como un standard, una invitación al usuario o cliente a disfrutar el equipo o un refrescador en la pantalla del móvil.

Desde el punto de vista de la galería de arte, tanto en sentido físico como conceptual, su muestra responde a un principio de circuito cerrado, lo que se ve como único elemento visual que compone la obra, son las imágenes de los espectadores recorriendo la sala captadas por el dispositivo tecnológico y retroproyectadas sobre la pared o panel que hace de pantalla. A pesar de ello dos elementos parecieran en su muestra sugerir una cierta salida critica al circuito cerrado, por un lado, el que el celular como tecnología vaya y se desplace con ella, por el otro el hecho de que la muestra se titule Scisors, que sugiere la palabra escisión o escindido.

En el primer caso, salir del circuito cerrado, es de suponer que los espectadores reciban, a la entrada o la salida, el numero del celular o el nauta, en el segundo, el titulo subraya la escisión, pero cual escisión, que se escinde y quien se escinde?. Antes de aventurar una respuesta a esta pregunta, es preciso antes recordar que Aissa como artista, aunque recientemente se ha movido, por un lado, hacia búsquedas con el screen desde una nueva sensibilidad, como se hace explicito en su texto de tesis en ISA, modos de entender el screen, y por el otro, hacia las posibilidades de un arte que se diluye en la vida cotidiana, como se da en Nómadas, anteproyecto aun no realizado, proviene inicialmente de una mirada plástica y pictórica pretextualista que mira hacia el universo visual e iconográfico como disponibilidad para desarrollar formas del comentario social, la parodia, la ironía y el remedo en el sentido de la obra posmoderna, procedencia visible en el transito que va desde sus pinturas al terminar la academia de bellas artes de san Alejandro, hacia sus primeras muestras, en aquellas, caracterizadas por una cuadriculación de la tela, se trasluce cierta reminiscencia tardo melancólica en algo al pop, quizás como una actitud inveterada que acepta la relación de este a un sentimiento domestico, el pop del bolero, por ejemplo, en vez de aquel de imágenes emblemáticas, en las siguientes, el trabajo con referentes de la cultura de masas se hace mas explicito y visible, algo que aún perdura hasta su obra The Big Blue Eye que pretextualiza una película de Walt Disney, no continuando esto en obras siguientes que subrayan su inclinación actual, antes aludida, tales como, su obra desarrollada en los estacionamientos de una antigua fábrica de oxigeno, Histograma, expuesta en la galería de la casa Guayasamin, o su anteproyecto nómadas.

 

Cierre

 

Retomando el inicio y a propósito de la pregunta por la escisión es preciso remitir el hecho, sencillo y aparentemente nimio, pero explicito en su titulo y tema central, el espectador, de que en esta muestra los espectadores quedan en el circuito cerrado, no solo estos no reciben su número de celular o correo, que sería una salida objetiva al circuito cerrado, sino que irónica y paródicamente los deja al mismo tiempo frente a su propia imagen en sala y ante la pregunta Quieres ser parte de mi Realidad?, resulta obvio que aissa intenta con este obra acentuar o subrayar, en un modo todavía el mismo paródico e irónico, el carácter implosivista de situación sin salida que define al espectador en el arte contemporáneo, criticando el espectador participativo que aludía, con el espectador parodiado de ciertas obras posmodernas, y a la inversa, a este último con el primero.

Sin embargo, el espejo del espectador es en el arte, como precisa Boudrillard, el espejo de la producción, en tanto lo que hace lenguaje a la obra de arte es precisamente su anticipación del espectador para el cual la obra supone ser un acto de comunicación, la tesis sobre el espectador en el arte, es siempre e inevitablemente la tesis sobre el arte, si la situación de callejón sin salida entre el adentro y el afuera lo es para el espectador, lo es entonces también para el productor, el afuera del espectador es el adentro del productor y el adentro del productor es el afuera del espectador, productor y espectador, traman juntos el arte como un todo, no solo porque la obra de arte se completa, como la escritura en sus lectores, con el espectador, este no solo, como el crítico, la interpreta, sino que es también a propósito suyo que ambas cosas, la obra recibe la forma final de su afuera estético y social, por un lado, y la obra recibe a la postre, la dilucidación, plural y polisémica, de su vida interpretativa.

Al serlo para el espectador, el espejo del circuito cerrado lo es también para el artista y para el arte en su relación con la institución arte, ambas cosas no hacen sino subrayar una situación sin salida en la cual se encuentran hace bastante tiempo, los modelos implosivistas que han definido la situación institucional del arte desde los ochentas. El estructuralismo de Lacan vino entonces a interpelar a la semiótica textual, tramándose entre ambos, las formas regentes desde los ochentas tanto en USA, como en Europa, en cuba y en cualquier lugar del mundo global, en que diariamente se dilucida esta relación entre prácticas de tecnicidades operacionales y modos textuales de posesión de los cuerpos.

El resultado fue un punitivismo generalizado consecuencia de la implosión institucional el cual genera continuamente infinidad de incontables fenómenos sin salida que se autoflagelan, uno es este, subrayado por Aissa, el circuito cerrado del espectador, que como afirmo lo es entonces también para la producción y la situación social del arte en su conjunto, otro es la hieratizacion de las opciones de los cuerpos que se vuelven cada vez más rígidos en sus maneras y procedimientos, generando diatribas sin asidero, el parecido por ejemplo, cada vez mayor entre las practicas resultante de que las probabilidades de optar por modos corporales, ademanes y maneras, se van reduciendo al mínimo, la retorica de un a la manera esta o aquella, remplaza a la versatilidad viva de maneras y modos reales nutridos de la vida cotidiana, que pueden experimentar los artistas. Mientras conduce a un parecido cada vez mayor entre las prácticas, como consecuencia de estar expuestas a las mismas condiciones objetivas y subjetivas implosivas antes descritas, las fustiga entonces con las ideologías de la imitación, la copia o el plagio, la implosión que genera que se parezcan, castiga entonces que se parezcan.

El declive de la museificacion e institucionalización de la vanguardia remplazo al supuesto otrora declive de la vanguardia en sus iniciales móviles utópicos, en que son precisamente los ideólogos del arte, aquellos que se resisten a los antiartistas, los sepultureros del arte en su relación viva con la vida, el decursar y los mundos societarios de experiencia y humanidad desde los cuales el arte vital establece y decide sus propias relaciones programáticas con lo social, con las ciencias por medio de las cuales nos ocupamos de esos mundos sociales, y con las instituciones del arte.

El Autor y el artista es indefectiblemente el primer espectador de su propia obra de modo qué a la pregunta que y quienes se escinden, quedarse adentro del circuito cerrado?, salir y entrar del circuito cerrado?, o quedarse afuera de el?, a que condiciones de subjetividad y relaciones entre subjetividad y objetividad debe está expuesto un sujeto que tiene que experimentar al mismo tiempo, como los axolots en el acuario de Cortazar, dos mundos contraproducentes al mismo tiempo, uno según el cual, no hay salida al circuito cerrado, otro según el cual, se está afuera, y otro según el cual, se entra y se sale de él?. Mi respuesta a esta diatriba la preciso como heterosexual, solo la exteriorización heterosexualizada de las instituciones como criaturas creadas por la armonía social y comunitaria del hombre y la mujer en su plenitud sexual y social que las genera y funda, lo resuelve, solo esta es propicia a la repetición que es requerida por la reproducción y la transmisión cultural del conocimiento y la sensibilidad, eclipsando el circuito.

El implosionismo institucionalista de los ochentas y sus ideólogos, en su reverso, había encontrado en homosexuales y bisexuales sus principales defensores, estos rehúyen aquella exteriorización de las instituciones, y recaban implosión en el erotismo hacia la rigidez militarizada de la cultura, que un crítico peruano llamaba el Malestar en la Cultura, y que fue una consecuencia de la inseminación e inoculación de sexualidades no heterosexuales en las estructuras de reproducción social de su opuesto sexual.

 

Referencias

 

Jean Boudrillard, El Espejo de la Producción, Anagrama

Jean Boudrillard, Transaestetica, Anagrama


 

Overshadowed circuit: A Purpose Scissors

 

© By Abdel Hernandez San Juan

10
SCISSORS/ Beca de creación ESTUDIO21, CDAV, La Habana, Cuba

 


Opening

The spectator in art is an old, born and brought topic which has come a variety of axiológicas areas for both art criticism and your practice, with the advent of photography and other phenomena that desauratizaron traditional parameters unique and unrepeatable work on the side of artistic creation, and phenomena from structural linguistics and semiotics and other forms of approach to art that attempted to set this as a signic phenomenon in the social world, the classical conceptions of aesthetics related philosophy to the sublime contemplation and other aspects of sensitivity, the concept of viewer home to live in art for several decades a whole was critical that attempt deslastrarlo of passive or uncritical sense that had allegedly acquired with the contemplativismo of aesthetics classic, while, paradoxically, with the gradual saturation which put paid to both, the sobrepragmatizacion art from the side of its creation, and its sobresemiotizacion on the side of its assessment and approach, that art once sign, art text, and pragma art, began to pale face, as discussed Boudrillard, paradoxical indifference that the pragma art and semiotics, raised in the same social world ruled by countless other signical forms and textual cluttering the social and cultural worlds in which viewers themselves They are then split their relations synesthetic sense and their own life experiences in the sensitive appreciation towards the phenomena of art.

The circle trying to close the classical aesthetics and semiotics, could not, or criticism or art practice, set the replacement, the efforts of kinetic and optical art back more participatory the viewer creating spatial structures through which these cross interactive forms began to result in a comic image of its opposite, the impossibility that a viewer could be truly participatory, becoming in space in a visual caricature of what would be a stake which can not escape being an image of participation , how would something like a participatory and spectator returned image no real participation.

Semiotics, trying to place the art as a textual phenomenon spreading in the body of works, signs and elements, then place them in their relationship to broader, term, on the one hand textual phenomena, killing aesthetics in reifications of sociology and anthropology turned into ideologies of taste, and, on the other hand, diluted in various forms of contextualization of art with institutionalist implosionismo established in the art institution since the eighties, taking possession of the body art , art as a body and the relationships between bodies, lives and works, those that define the direct relationship between the artist, his creative process, its corporate and alternative living world, his works, and raise awareness of them.

Development

Towards the previously outlined, draws attention to how Aissa Santizo decides to bring to the foreground the image of the viewer into his work and for your prize creation scisors shows recently exposed in the Development Center of the Arts visual.

Draws attention, because on one hand, Aissa choose to refer the viewer to the image of the closed circuit, the idea in the usual artistic practice, that any device, whether this technology or merely visual, active in the work and then form part in this the same image travel viewer sample, while on the other hand, suggests that perhaps a possible way out of the closed circuit work explicit, be your own cell phone that moves with her wherever she moves and from where they can call and be called.

This relationship to the cell, is explicit in the work because the sample as a whole consists only of two walls, two at opposite ends of the space and in two different rooms, one of them, the text viewers try to read is, although large alluding to literally unreadable alphabet fonts, while in the other, in which only the continuous images projected viewers see touring the exhibition in the hall, before garbled text is readable asking then the viewer that is before the work, you want to be part of my reality ?, a text according Aissa, although nowhere sample seems written or said, she has on her cell not specifying whether written by herself and then projected from your phone, or if it is a text that brings as a standard cell, an invitation to the user or customer to enjoy the computer or a refresher on the mobile screen.

From the point of view of the art gallery, both physical and conceptual sense, the sample responds to a principle of closed circuit, which is seen as the only visual element composing the work, are the images of the spectators around the room captured by the device technology and rear-projected onto the wall or panel making screen. However two elements appear in their sample suggest some output criticizes closed, on the one hand circuit which cell as technology go and move with it, on the other the fact that the sample is titled Scisors, which He suggests the word split or splinter.

In the first case, leave the closed circuit is assumed that viewers receive at the entrance or exit, the number of cell or Nauta, in the second, the title underscores the split, but which split which cleaves and who cleaves ?. Before venturing an answer to this question, it is necessary before remembering that Aissa as an artist, but recently has moved on the one hand, to search using the screen from a new sensibility, as made explicit in the text of thesis ISA, ways of understanding the screen, and on the other, to the possibilities of an art that is diluted in everyday life, as given in Nomads, draft still not initially comes from a plastic and pictorial look pretextualista facing the universe visual and iconographic as availability to develop forms of social commentary, parody, irony and parody in the sense of postmodern work, visible in traffic ranging from paintings to finish the academy of Fine arts of san Alejandro origin, to its first samples in those characterized by a gridding fabric, a certain melancholy slow reminiscent transpires in something pop, perhaps as an inveterate attitude that accepts the relationship of this to a domestic feeling, pop bolero, for example, rather than that of iconic images, in the following, working with references of mass culture becomes more explicit and visible, something that still lingers until his the Big Blue Eye that pretextualiza a film by Walt Disney, not continuing this on these works that highlight its current, referred to above, such as his work developed in the parking lot of an old factory oxygen, Histogram, exhibited in the gallery of the Guayasamin house, or nomadic inclination draft.

Closing

Returning to the beginning and purpose of the question of excision is necessary to refer the fact, simple and seemingly trivial, but explicit in its title and central theme, the viewer, that in this sample viewers are in the closed circuit, not only these do not get their mobile number or email, it would be an objective exit to the closed circuit, but ironic and parodic leaves them at the same time against his own image in living room and to the question you want to be part of my Reality ?, it is obvious that aissa try this work accentuate or emphasize, in a way still the same parodic and ironic, the implosivista character impasse defining the spectator in contemporary art, criticizing the participatory viewer alluded, with the viewer parodied certain postmodern works and conversely, the latter with the former.

However, the mirror of the viewer is in art, as accurate Boudrillard, the mirror of production, while making language work of art is its anticipation of the audience for which the work is supposed to be an act of communication the thesis on the viewer in art is always and inevitably the thesis about art, if the situation of impasse between the inside and the outside it is for the viewer, it is then also for the producer, outside the viewer is inside the producer and inside the producer is the outside viewer, producer and viewer, conspire art as a whole, not only because the artwork is completed, as writing in his readers, with the viewer, this not only as a critic, interprets, but also to his purpose that both, the work receives the final form of its aesthetic and social outside, on the one hand, and the work gets to the end, elucidating, plural and polysemic, of his acting life.

To be for the viewer, the mirror of the closed circuit is also true for the artist and for art in its relationship with the art institution, both do nothing but emphasize an impasse in which there are quite some time, models implosivistas that have defined the institutional situation of art from the eighties. Structuralism of Lacan then came to interpellate the textual semiotics, tramándose between them, the regents forms since the eighties both in USA and in Europe, Cuba and anywhere in the global world, in daily elucidates this relationship between practices operational technicalities and textual modes possession of the bodies.

The result was a widespread punitivity result of institutional implosion which continuously generates countless countless phenomena end that self-harm, one is this, underlined by Aissa, the closed circuit of the viewer, as affirm what is then also for the production and the social situation of art as a whole, another is hieratizacion options bodies that are becoming more rigid time in their ways and procedures, generating tirades without handgrip, the resemblance for example, growing among the practices resulting from the odds of opting for body modes, gestures and manners, are reduced to a minimum, the rhetoric of the way this or that, replaces the living versatility of ways and nurtured real modes of everyday life, you may experience artists. While driving to an increasing similarity between practices as a result of being exposed to the same objective and subjective conditions implosive described above, the then hits her with the ideologies of imitation, copying or plagiarism, the implosion that generates that seem, then punishes that look.

The decline of museification and institutionalization of the vanguard replacement the course once decline in the forefront of their utopian mobile initials, that is precisely the ideologues of art, those who resist the antiartistas, the gravediggers of art in your living relationship with life, decursar and corporate worlds of experience and humanity from which the vital art establishes and decides its own programmatic relations with the social, with the sciences through which we deal with these social worlds, and institutions art.

The author and artist is unfailingly the first spectator of his own work so the question what and who astringents, stay inside the closed circuit ?, exit and enter the closed circuit ?, or stay out of the ?, to conditions of subjectivity and relations between subjectivity and objectivity must is exposed to a subject that has to experience at the same time as the axolots in the aquarium Cortazar two counter worlds at the same time, one according to which there is no exit to the closed circuit, another whereby, being outside, and one according to which one enters and leaves it ?. My answer to this diatribe the precise as heterosexual, only heterosexualized externalization of institutions as creatures created by the social and communal harmony of man and woman in sexual and social fullness that creates and founds, solves, this is only conducive repetition that is required for the reproduction and transmission of cultural knowledge and sensitivity, eclipsing the circuit.

The institutionalist implosionismo eighties and their ideologues, on its back, was found in homosexual and bisexual its main advocates, these shy away from that externalization of institutions, and collect implosion in eroticism to the militarized rigidity of the culture that Peruvian critical He called Civilization and its Discontents, and that was a consequence of insemination and inoculation of non-heterosexual sexualities in the structures of social reproduction of their sexual opposite.

References

Jean Boudrillard, The Mirror of Production, Anagram

Jean Boudrillard, Transaestetica, Anagram

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