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Modos de entender el screen

Por Aissa Santiso

 

A modo de introducción: ¿Por qué sacar a la luz el screen como tema?

Recordando el criterio de un buen amigo, una parte significante de mi arte reside en sacar a la luz aquello que permanece irrelevante ante nosotros, ese llamar la atención hacia lo natural en la vida cotidiana en una forma inusual al sentido común.

Quizás por pura coincidencia asociativa empecé a denominar mis instalaciones “ambientes de luz” proyectadas en el espacio, según una breve definición leída de Brea, Screen Art, como  línea de trabajo que tipifica una modalidad formal dentro del lenguaje de los llamados new medias, expuesto en su libro La era Postmedia. Pero, cierta modalidad queda aún indefinida dentro de la pirámide de valores del new media art; ¿sería acaso por su singularidad, su hacer común o naturalidad?

Al inicio veía una facilidad y economía del tiempo en los medios digitales, la laptop, como recurso eficiente para producir obras que  podían ser transportadas en un pequeño drive. Luego, la manera en que se presentaba esa imagen u obra, video, en dependencia del medio por el cual se hacía presente, era algo que podía contener una multiplicidad no solo de lecturas, sino de posibilidades para la obra misma.

Esa simultaneidad contenida en una sola pieza me produjo una flexibilidad a la hora de pensar la obra conceptualmente y ello provocó en mí, un repensarme en relación a lo que creía como verdad y realidad en el arte.

A partir de ahí, por pura curiosidad, comencé a pensar en las implicaciones perceptuales, psicológicas e interpretativas que traían para mí, la relación experiencial que tenía con la laptop y el arte que se producía con ella, vistos, asimilados y sentidos a través de la pantalla.

La pantalla,  screen, como recorte de la realidad o plano del presente físico, en la cual el individuo se abstrae de su presencia física y del tiempo, para formar parte de otra forma de presencia y tiempo simultáneamente, nos brinda una elasticidad y articulación ondulatoria del pensamiento, en el cual los preceptos y conceptos aprehendidos comienzan a repensarse, saliendo de su inmutabilidad.

Ya la pantalla no es aquella por la cual se enuncia un mensaje para que todos asistamos a su orden como lo fue en el pasado siglo, ella ha cambiado culturalmente y se ha transformado hoy, con los nuevos avances en las telecomunicaciones e internet, en un espacio de libertad comunicativa permitiéndole una  flexibilidad a la mente para la aprehensión del conocimiento y ser el individuo mismo el selector y manipulador de la información que adquiere y genera.

Las nuevas relaciones con el screen nos han cambiado la manera de interactuar entre nosotros, de comunicarnos, de ver la dinámica del  tiempo en relación con la distancia, de pensar el espacio con sus múltiples apellidos, nos ha enseñado una forma diferente de enfrentarnos a lo efímero, a la materia, lo real, la ética, el recuerdo, el concepto…la forma en que nos pensamos a nosotros mismos, una metafísica otra y orgánica. Ese es el espacio de libertad al cual me refiero. Con esta multiplicidad de funciones, la pantalla en si misma se convirtió y es una necesidad de nuestro tiempo. Es el vehículo por el cual todo el mundo tecno virtual se hace presencia en el presente, en todos los escenarios de la vida cotidiana, en el segundo mismo en que la luz aparece iluminando su superficie, siendo el screen superficie y luz al mismo tiempo.

 

Presencia y ausencia

Toda información visual que nos llega hoy se nos hace real a través de la pantalla. ¿Pero que hace a la pantalla ser objeto elegido por el cual el mundo comienza a expresarse? Percibimos hoy que no solo basta con relacionar las cosas por cómo estas nos son dadas a través de la conciencia en comparación con el referente objetual. Más bien nos estamos relacionando con un referente más volátil que existe en la simultaneidad de ser perdurable y efímero en sí mismo en su ausencia de materia.

El screen engloba aquello a lo que Kant postulaba en el pasado, a una forma del ser en su sensibilidad, solo que con el desarrollo tecno virtual y tele comunicacional, no solo se encierra al pensamiento del ser como el ser en sí, sino que se ha expandido también a todos los aspectos fuera del hombre mismo.

Vivimos en constantes propuestas que existen no como materia sino como presencia de materia.

Pudiera ser que con solo nombrar a la cosa, proyecto o idea, baste para que cada cual entienda el mensaje y a la vez experimente su propia visión, o proyección de forma por cada individuo que la piense; que sea entendible para todos y que todos puedan producirla, pero ello trae otra necesidad, la de presentar, hacer presente a través de la luz esas proyecciones individualizadas del mensaje. Ahí comienza el juego del screen y su difuminación e incisión en los aspectos más diminutos y comunes de la vida cotidiana.

¿Qué es lo que nos seduce del screen, lo que nos hace depender de ella una vez que la poseemos?

Si pensamos el screen en su génesis podríamos remontarnos a su presencia antes del cine, la cámara oscura, y la dimensión cultural de la luz. Su esencia puede ser la luz. Sin la presencia de la luz en la superficie, no puede haber screen. Ya que el screen es un recorte de luz, una dimensión hacia otro tipo de luz, que no solo ilumina, sino que hace aparecer una imagen externa hacia un espacio interno como una aparición que puede ser traída hacia una superficie; la misma no pertenece a un lugar, está en todas partes. El screen está contenido en el espacio, ella es una presentación de un rayo de luz natural. (Principio de la cámara oscura).

Dicha presentación es de por si efímera, forma parte de la naturaleza y es su naturaleza. Contenerla ha sido la labor del hombre para no depender tanto de la aleatoriedad de la naturaleza y sus procesos. Como lo fue el fuego, el queroseno y la luz eléctrica, contener la luz, que fue contener el sol, es en sí contener una perdurabilidad del tiempo de vida, una idea de progreso. Quizás esa tendencia al contener y preservar, en este caso la luz que hace la imagen en la cotidianidad sea una de las razones por las cuales surgió aquella luz proyectada en una superficie a la que denominamos pantalla como objeto. Por ello hay una ausencia de apariencia pero no de presencia cuando la luz del screen se apaga. Pero ella nunca está del todo ausente, quizás estemos buscando en la luz, en el screen, una forma de integrarnos a la naturaleza, de entender sus procesos oscilatorios, su fluidez, su organicidad, su gestualidad, su integración.  Ello está muy relacionado al sentido del ver,  a crear  existencias a través de la visión y a sus formas de percibirse.

Con ella se avecina todo lo que aún puede acontecerse, realizarse;  no representa el agotamiento sino todo lo contrario, hasta grados más allá de la imaginación misma. Ella ha ocupado dos funciones claves, la de ver y hacer en su simultaneidad temporal, no hay tiempo que compita con ella, son ambas cosas. Brinda la posibilidad a la rectificación, reelaboración, reciclaje de aquello que a la vez estas creando, ha permitido una aceleración de la mente y una autoconciencia de sus propios procesos en una forma empírica y automática, funciones y aceleraciones que no habrían sido posibles sin la evolución de la ciencia informática, las personal computer y sin la hibridación del componente “televisor” hacia esas relaciones existentes en el hoy como internet y las telecomunicaciones.

 

Interface. Fracciones de un proceso

La interface, es un código que se muestra como mediador de dos formas del lenguaje, en procesos continuos de codificación y decodificación simultáneos que se gestan en los medios de comunicación. Esta tiene innumerables formas de mostrarse. En la escritura, por ejemplo,  la interface es la materia o superficie que hace posible la comunicación en la que se inscribe una oralidad, inmaterial, por medio de la escritura remitiéndose a una forma visual semántica que es material.

Si la miramos desde el punto de vista del lenguaje pudiéramos decir que la interface se halla en la gramática sintáctica y la cultural, etapa final que conecta las formas inmateriales del sonido que emanamos por las cuerdas vocales como fonema, con la sintaxis que sería la forma de materia de esa inmaterialidad y el grafema como su forma tangible. Al igual que las relaciones del funcionamiento interno del cuerpo que se conectan a través de conductos nerviosos que viabilizan las respuestas de envío y entrada de señales externas e internas, o sea interfaces, con los demás órganos del cuerpo para el procesamiento de esa información que recibe por los sentidos y procesos cognitivos. Desde un punto de vista semiótico, sería una especie de micro-espacio en el borde o límite por el cual se conectan dos semiosferas distintas. La interface es la creación de un lenguaje intermedio que conecta semióticas distintas y las hace interaccionar.

Por tanto, la interface tecnológica, es una construcción fenomenológica de las praxis básicas de la comunicación. El lenguaje deviene interface, así como la inscripción es el medio que se utiliza para viabilizar y materializar ese lenguaje. Por consiguiente, la interface es un proceso común que ejercemos y manifestamos en las acciones y medios con los cuales nos comunicamos con otros y con uno mismo, vivimos expuestos a ella y a sus juegos semánticos. La misma se presenta tanto en el lenguaje como en el screen.

Los nuevos medios tecnológicos de comunicación han evidenciado la expansión masiva de la capacidad de la mutabilidad semántica, la disponibilidad a la variabilidad del mensaje que viaja a través de la interface en tantas formas y sentidos como sean posibles, previo a completar el ciclo de circulación inscritas en una fractalidad heterogénea1 capaz de plantear nuevos retos a las grandes corporaciones del siglo XXI.  La interface aparece como mediador entre dos formas de lenguaje, o dos códigos semánticos y está expuesta a la re-significación una vez que un actor conozca e interaccione con estos dos tipos de códigos.

 

THE BIG BLUE EYE

En parte lo que me motiva de trabajar con la idea de los nuevos medios de comunicación, es que la mayoría de sus discursos se refieren a lo que acontece en el presente, todo lo que puede ser suscitado y develado, transformado o mutado en ese instante, en su real time.

En las piezas que conforman la serie THE BIG BLUE EYE y otras derivadas de la misma operatoria, como Horizonte 2 y Moon, discursan por medio de la interface sobre la alterabilidad de lo que se nos muestra a través del screen, aquello que planteaba Juan Martín Prada sobre el dúo Jodi.org en su libro Prácticas Artísticas de Internet en la Época de las Redes Sociales, “indagar crítica y creativamente en lo que se esconde y opera tras la cristalina luminosidad de nuestras pantallas”.

El grafico YC waveform, es un visualizador que se usa en los programas de edición para corregir los niveles de luminancia y color de la secuencia de video. Principalmente existen dos patrones que son, los rangos de luminancia de 7.5 de 100 IRE en los Estados Unidos, y el de Japón que establece un patrón de luminancia en un rango de hasta 0 a 100 IRE. Cada imagen o secuencia antes de salir al aire o circulación son primero reguladas por estos esquemas. Estos patrones establecidos por las industrias de las telecomunicaciones han ayudado a crear una cultura perceptual y visual en las sociedades contemporáneas en busca de sus propios beneficios, manipulando nuestra percepción a través de la imagen. Esta es la razón por la cual utilizo como pretexto a este grafico en varios de mis trabajos en serie como operatoria.

El histograma, el programa en sí, se presenta a él mismo proyectado sobre una superficie como motivo visual y pre textual en mis piezas, Horizontes, por ejemplo, es presentada como una video proyección sobre una pantalla, la cual consiste en un video en loop de un minuto que muestra a un paisaje urbano, que primeramente documenté y fragmente en 24 secuencias, para ser visto a través del YC waveform. Siendo la imagen un video abstracto de luz y color que ondula en los márgenes del esquema que propone el gráfico de ondas.

The Big Blue Eye consiste en generar varios enviroments, video-instalaciones, site specifics que simplifican una serie de experimentos   que vengo desarrollando alrededor de este gráfico aludiendo a numerosos y heterogéneos motivos que acompañan diversos paisajes urbanos, que a veces toman de referencia o insinúan  a grandes obras de arte y cine como las pinturas azules de Ives Klein, Nam June Paik con electronic moon o Fantasía 1940.

Esta serie de instalaciones-ambientes son consecuencia de un cierre de experiencias anteriores trabajando con este gráfico, en las que poetizo las dinámicas aleatorias que son observadas y manipuladas dentro de un sistema de valores. El gesto es mostrar esa mediaticidad encerrada en su propia parábola, en su propia contemplación y seducción.

Una obra como Acción 1, era una experiencia audiovisual que como primera etapa buscaba tratar de encontrar una comunicación entre el computer y yo. A modo de ritual consistía en estar de frente a histogramas en estado de concentración durante el tiempo de la puesta en escena. Mientras la pieza invitaba a los espectadores a la contemplación hipnótica estos histogramas iban cambiando de color tras terminar un ciclo de secuencia, los cuales eran repetidos en loop. En esta acción el histograma representa la secuencia de un director de orquesta dirigiendo la tocata y fuga en re menor de Bach, sacada de la película experimental Fantasía 1940.

No obstante, ahora, como nuevo dato, el screen viene a ser modificado en mi arte. Mientras antes usaba una pantalla convencional como superficie para proyectar una imagen inmaterial, en acción 1, la pantalla entra a ser parte de la experimentación creándole una estructura tridimensional distribuida en el espacio como forma estética, a la vez, la inmaterial proyección en loop viene ahora a ser percibida sobre un intrínseco e imbricado volumen espacial que al final se resume en solo una pantalla.

Este principio experimental no es solo con la imagen, sino con la superficie en el cual la imagen viene a ser proyectada. Esta no solo se circunscribe al volumen construído dentro de un espacio, él ha salido fuera de la caja blanca.  Pero esta vez yendo hacia una superficie que nos es dada de la realidad, en la cual, en una pieza específica, selecciono una vieja fábrica de oxígeno como escenario.  La imagen es ahora proyectada sobre las ruinas de lo que fue esta fábrica, sobre sus paredes y columnas, proporcionando al visitante la facilidad de intervenir en la creación del enviroment desde mi laptop, cambiando todo lo que se gestaba a su alrededor, en el mismo instante en el que el visitante entraba,  proyectaba su propia imagen sobre la superficie.

En ensayo 2, in site la secuencia traducida al histograma es el punto rojo intermitente que utilizan algunos de los estudios de grabación radial. Los sonidos ambientes son los que activan el movimiento de la secuencia, transformándola en un organismo vivo.

 

El mundo ha sido transformado en una telecomunicación, los destinatarios de los lenguajes han sido transformados ellos mismos en dispositivos de transmisión los cuales por si mismos median no ya representaciones sobre el mundo de las cosas, aunque también en tanto transmiten micro representaciones infinitesimalmente como diminutas narrativas, sino antes bien presentaciones en tanto media del principio mismo de lo que hace presencia en la presentación, media así el modo en que las imágenes se presentan, ofrece una presentación que el dispositivo hizo por sí mismo según esa cosa allí afuera, ese aparato.

Abdel Hernández en su ensayo Teorizando el media hoy.

 

En Ensayo 3 de Moon el sonido desaparece, excluyéndole a la pieza el único elemento o pista que lo conecta con el referente de su matriz o algún otro. La lectura del mismo se vuelca hacia su acertijo, su seducción y mediaticidad. La secuencia aparece suspendida en el espacio al ser  proyectada sobre tiras horizontales de papel.

Esta serie es la presentación de una convivencia natural con la señal, con un impulso eléctrico al cual disfrazamos en imagen. Por medio de su presentación busco mostrar su mutabilidad. Por ello, no considero estas piezas como objetos cerrados en sí mismos, sino como laboratorios abiertos a la movilidad de sus contenidos.

En tanto, a partir de Horizontes2, las otras piezas hasta llegar a la serie THE BIG BLUE EYE, se van moviendo de una idea precisa hacia la aleatoriedad, de su racionalidad hacia la convivencia espacio-temporal. Por tanto las relaciones del arte como experiencia y ciertas formas de la video instalación, multimedia, net art, videojuego, entran a ser parte de un sensorium otro que habla más de las relaciones sensoriales y conductuales con una manera otra de ver e interactuar con el espacio.

Es aquello que Ranciere postulaba como “un cambio de sensibilidad” el cual hace que las relaciones entre arte y experiencia estén más atentas a las significaciones e impulsos sensoriales e intelectuales que se suscitan en el espacio que la pieza transforma. El espectador se encuentra en una relación más proxémica con el site specific, o in site, en las dinámicas artísticas del hoy.

Ya el circuito del arte y sus agentes externos está pasando a formar parte de un tipo de arte espacial y temporal que nace de la consumación de experiencias múltiples,  en una diversidad de sensoriums que define alguno de los nuevos cambios entre el arte como gesto y su sociabilización como campo. Reconozco hoy explícitamente esta relación dada entre el espectador y la obra de arte  más allá de los prejuicios estéticos.

EN LO ALTO…LA LUZ SE DESPOJA DE SU ROPA. 5MIN. Se trata aquí de una intervención en la Antigua Fábrica de Oxígeno de Althabana, desarrollada en un trabajo en dúo con el sonidista Rafael Rodríguez. A través de la intervención de luz y sonido buscamos una forma distinta de relacionarnos con los espacios urbanos. A modo de workshop esta intervención parte de un gesto de convivencia directa con el proceso de creación y el espacio físico.

5MIN. invitaba al que inesperadamente pasase, a detener los sentidos al menos por unos segundos para así aprender a ver al espacio común de otra manera. El transeúnte interviene el espacio ya sea a través de la contemplación pasiva o de la interacción con el programa a través de la webcam. La imagen era controlada por la música y por el juego del espectador con la cámara. El cambio de percepción data al interactuar con espacios olvidados por su estado natural; los cuales a través de la incidencia de luz, sonido y gesto no solo cobran vida, sino que esta postura se transforma en un halo poético al sugerir un estado de convivencia citadina con las ruinas de un tiempo congelado. Aunque todo lo que se generaba partía de un circuito cerrado y un data process in real time; lo que propone es una visión optimista de relacionarnos con nuestras circunstancias, a través del arte.

Esta acción no era anunciada como arte, ni constaba de inauguración, todo aquel que pasase cerca del espacio intervenido era partícipe del gesto siempre y cuando quisiera entrar a formar parte de ella. Al visitante le era dada una linterna y la webcam para que jugase con ella durante 5 minutos, y así ser él mismo partícipe y generador del enviroment. El propósito de la acción de un día era muy simple, llamar la atención sobre espacios olvidados por su condición de ruinas, por medio de un cambio de percepción de los mismos al intervenirlos con luz.  Las imágenes eran generadas en tiempo real. Aquí se toman como referencia prácticas del enviroment, el mapping, el happening y la intervención pública.

 

Algo sobre el screen en el arte contemporáneo

Si nos adentramos hacia el estudio del screen encontraremos  que han sido pocos los intentos sobre el tema. Por lo general la crítica se ha enfocado en dos aristas principalmente: Una que analiza el screen desde lo negativo de la cultura de los mass media, obviando el campo cosmogónico que esta le propone a los sentidos dentro de la cultura.  Otra forma deviene de su relación con el espacio del cine y el video-arte, en el que para estos últimos el screen no es contenido, solo demanda atención para la crítica aquello se proyecta sobre él. No obstante, existe otro grupo que repara en el screen como cultura, explorándola como forma y como concepto. Los aspectos sensoriales, estéticos y conceptuales que la pantalla produce como fenómeno en sí, modulan formas de hacer que ya no son acordes ni con la crítica convencional del video arte y la video instalación, ni con la cultura de los mass medias. Esta repara en la relación armónica que conectan los espacios de lo intelectual y puro del arte con lo sensorial y lo estético que viene de la forma, no hay conflicto entre ambas partes, por ende la manera en que se sienten los discursos en el arte son otras.

La cimática que deviene del campo de la física se ha convertido en un espacio experimental en las artes visuales y en la música electrónica. Ha tomado prevalescencia en el arte para la representación dinámica de las frecuencias modales del sonido electrónico en esquemas modulares de visualización de ondas proyectadas en el espacio. Alva Noto es el alias del artista alemán del sonido, Carsten Nicolai que se vale de la cimática para representar el sonido en secuencias audiovisuales abstractas de datos en visualizaciones de ondas, osciladores y generadores de tono. Esos sonidos de transmisiones eléctricas de información como ahora tonos de fax, sonidos de módem o clics de teléfono son sampleados y organizados en bucles a los cuales Nicolai añade otros sonidos electrónicos en diferentes planos a medida que la composición avanza. Ryoji Ikeda uno de los artistas de música electrónica más importantes de Japón, ha desarrollado numerosas instalaciones y presentaciones multimedias data.tron [prototype] (2007) y spectra II (2002) en las que su obra se concentra en las minucias de los ultrasonidos, visualizando sus frecuencias y otros gráficos del mismo. Su trabajo se concentra en la percepción del tiempo con que  nos es dada la información que viaja en el espacio físico. Junto a Carsten Nicolai, trabaja en el proyecto colaborativo “Cyclo.”, con música programada y módulos audiovisuales para la sincronización en tiempo real del sonido y la imagen. Ambos toman de la video instalación, el video arte y el mapping.

En mis piezas, los histogramas se conectan con la cimática en esta idea de mostrar estéticamente la presencia del mundo digital y sus posibilidades de visualizar procesos que antes no eran vistos tan fácilmente. Aunque difieren en parte del campo de investigación, puesto que la cimática busca representar matemáticamente a través de la física y la tecnología los sonidos. En mi caso, la imagen no es una visualización del sonido, sino la imagen misma vuelta frecuencia. Tanto las instalaciones multimedias, video instalaciones interactivas, mapping, micro cines urbanos son pensados para existir in site. La relación sensorial y sinestésica como experiencia directa que ofrecen en el espacio es un componente trascendental para comprender aquello de lo cual discursan. Es un arte que no puede separarse de la experiencia vivida, ya que existe en ese corto espacio-temporal. Muchas de estas obras mantienen una relación armónica y necesaria con el site specific, y dependen de las coyunturas espaciales que el propio espacio exige y demanda. Los géneros de la pantalla expandida son maneras de socializar el espacio de la mente más allá de la ventana o recorte del desktop, mostrando su trascendencia.

Las piezas que elaboro no son más que consecuencia de esa cultura audiovisual que nuestra relación con el screen ha creado en lo repetitivo, lo mutable y maleable, en lo sincrónico del tiempo como lenguaje; en su perceptual sublime, estético y retiniano; en lo relacional que evoca dentro de su existencia en lo nómada, de su imagen expandida en el espacio. Es un territorio abierto a contenidos que van mutándose y reconfigurándose con el pasar del tiempo, siendo en sí un espacio temático complejo e inagotable. Este discursa sobre el presente y amerita inmediatamente nuestra atención.

 

 

 

Notas

1-fractalidad heterogénea1 extraída del ensayo Teorizando el media hoy By Abdel Hernández San Juan, un capitulo en los libros de Abdel The Presentational Linguistic y The Intangible, http://www.digitalcultures.org/Library/El%20Presentacional.htm, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Intangible.htm

 

 

Bibliografía

Abdel Hernandez San Juan, Theorizing Media Today, capitulo en los libros, The Presentational Linguistic http://www.digitalcultures.org/Library/El%20Presentacional.htm, y The Intangible, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Intangible.htm

 

Abdel Hernandez San Juan, Acrobats: Aissa Santiso, ensayo no publicado incluido en los libros compendios de crítica de Abdel, Neither Inside nor Outside y Texere

 

Abdel Hernandez San Juan, The Phenomenic/Phenomenology of Technology, capitulo en The Given and the Ungiven, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Dado.htm and at The intangible, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Intangible.htm, también leído como lecture en el panel Art, Technólogy and Environment, Abdel Hernandez San Juan, Maira, Paradigmas de Arte y Ciencia y Luis Gómez, Vicisitudes de la práctica del arte con nuevos medias

 

Rosalind Krauss, Video: the Aesthetics of Narcissism, en Battock, G. (.ed.) New Artist Video. A Critical Anthology. Nueva York: E. P. Dutton, 1978, pp.43-64.

 

Jacques Derrida, Ousia and Gramme, Márgenes de la Filosofía, Ediciones Catedra, Madrid, 1989, (Time and Presence), Tiempo y Presencia, (Ousia at Gramme),  edición electrónica, www.philosophia.cl/Escuela de Filosofia Universidad Arcis, publicado como En Tiempo y Presencia, Editorial Universitaria, Santiago de Chile, 1971, publicado por primera vez en L Endurance de la Pensee, Plon, Paris, 1968, publicado posteriormente en Margenes de la Filosofia, Margings of Philosophy, The University of chicago Press

 

Umberto Eco, La Estructura Ausente, Editorial Lumen, 2005

Umberto Eco, La Obra Abierta, Seix Barrall

José Luis Brea, La era Postmedia, Screen Art. Editado en formato PDF el 27 de octubre 2002.

Juan Martín Prada, Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales. Ediciones Akal, S. A., 2012

 

 


 

Ways to understand the screen

 

By Aissa Santiso

Translation: Abdel Hernandez San Juan

 

 

Remarks: Bringing light on screen as an issue?

Remembering a friend of mine curious way to look at me, a significant  part of my art seems to be defined by and comminted with making relevant the insignificant, or to say it in best ŵords, by paying attention to dayle life in a form unusual to common sense. Maybe by a pure associative principle I begin to seen at my oŵn art installations as light environments. According to Brea, a contemporary art critic, in his book A Postmedia age, as a language matter screen art should be comprehended whitin the so-called new medias art which mean everything regarding art and technology, however we should point out here that screen art as a field of exploration itself is being still not well defined surrounded as it is by all kind of previous uses of the screen as just a toll to something else like it was in video art. To me screen art begins to be a fascinating field from the moments it evolves both a more easy way to produce art itself, here I am thinking in the whole setting including myself as an artist, my laptop and the transportation of it through technology triggers, external drives, flash memories, etc, and a more interesting, ductile, relational way, also to easily show it and to engage viewers dynamics and experiences even to increase potential interpretations.

Such a simultaneous dimension contained in this kind of ways to produce art and engage viewers inspired me to be as flexible as possible in the moment to think about art and on how conceptually create a piece of art even inviting me to rethink myself in relation to true and reality in art.

As a cutt of reality the screen, seen as a physical present, supposes to the individual a form to abstract himself from both, his physical presence and time to then become a part in another form of presence and time simultaneously, something that offers a more ondulatory and elastic form to the thought. Under such a ductile experience apprehended concepts and precepts appears to be affordable in a process that invites us to reconsider their natures out of immutability assumptions, something assimilated through the screen feelings, sensations and perceptions. The screen today, in fact, is not limited to, as it was during the past century, to discourse messages, but it is a part in a cultural transformation that is sensibly engaged with the new advances of the internet and telecommunications, to an space of communicative freedom which for instance often makes room to a flexible mind apprehension of knowledge, being the individual himself who choice and select information to be received and generated.

Our new relations to the screen is evolving each time more a new way also for us to interact or of interactions in between ourselves, it is for example modifying our sense of communication, our senses on the ephemeral, on matter, on reality, on ethics, on remembering, on concepts, and even our ways to think in ourselves, it is a kind of distinct organic metaphysic. The screen multiplicity of functions is a necessity of our time, it is the vehicle by which the tecno visual world become a presence in our present, in the scenes of our everyday life and from the simple second light appears lighting the screen surface, it is surface and light at the same time…

 

Presence and abcent

Any relevant visual information we receive daily today comes to us as a reality through the screen. It is not sufficient today to relate things as they are given to us in objectual referents as ŵe are today in relationships ŵith more volatile referents something that exist as everlasting, (abiding) and ephemeral at the same time. The screen as Kant postulated in the past supposes a being in the sensible, a being thought that is not only a being enclosed as a being itself in tecnovisual and telecomunicationals, but that is a being extended to man and to man outsides. The idea of naming things out is not sufficient here because as soon as each individual process and understand a message and experiment a vision, a projection of forms to each one to think in it then it create a necessity to present and make present through light such individualized messages and there is when the screen play begins, a difumination in diminutes and common everyday life experiences.

Why is the screen so seductive, why it is making on us depending on it since we possessed it?

If we try to think on the screen genesis we will remount  to screen presence in movies theaters and film, the dark camera room, for example, and the cultural dimensión of light, I ŵould even say that if the screen have an essence, it is light itself. Without a light presence on a surface wouldn´t be screen given that the screen itself is being a cut of light, a dimension outgiving to another kind of light, something beyond lighting but making appearing an image from an external space to an internal one, it seems to be or looks to be as an apparition which may be not enclosed by a single place but distributed or unfolded through a multiplicity of them.

As in the dark camera room, existing in space, a screen is always a nature ray of light, but such a presentation is an ephemeral one and is a part of nature and is nature. To contain it has been the man labor to not depend as much on natural aleatorial processes just like it was with fire, querosen and electric light, to contain light it was like containing the sun, it is also containing an alive perdurability of time, an idea of progress. Here we are in front of ourselves in the meaning of both containing and preserving, preserving light in this case as a quotidian image can probably be an original impulse regarding man impetus to first create an screen. There is an absent of appearance while not certainly an absent of presence when such a screen light turn off. It is never absent itself and this is because maybe we are constantly looking for out in light and screen a way to integrate ourselves in nature, to get out oscillations, gestures and organic processes understanding it. It is so much related with our sense of seen, with creating existence through vision and forms to perceive, with it everything seems to be neiboring us to what is becoming itself, to happens, to evenenment, to realizing, it has emplazed two basic functions that of seen and making as something temporally simultaneous, there is enough time to compite with it, it offers us an opportunity to rectify, to recycling what is created letting us accelerate our mind and awareness on our conscience own processes in a form empirical and automatic, something impossible to figure out without informatics science evolution, computers and the television component hibridation toward the internet, telecommunications and interfaces.

 

Interfaces

An interface is a code that mediate between two forms of language, a continuum codifyn and decodifying process which communication Medias gestures simultaneously. In writing matter, for instance, an interface itself is a matter and a surface in which the inmaterial is inscribed making posible communication as a visual tangible form. If we look at it from the point of view of language an interface can be something between sintaxis, grammatical and the cultural, from the inmaterials forms of a sound in the voice as phoneme to syntax’s a first matter of the inmaterial and grapheme as a visual tangible form of it. Just like the internal function of the body which connects nervious conducts that sent and entrance internal and external signs, it is the boundary or the limit through which two semiopheras meet or connect in between semiotically, processing information and cognitive processes. It is an intermedia language connecting different semiotic to interact.

For instance, a technology interface is being often a phenomenology of the basis praxis of communication. A language becomes an interface just like an inscription becomes the mean to vehicle and or materialize a language, it is to communicate with the others and ourselves, we are living currently under it all the time both in common language and in the screen

Being muting and affordable is one of the main qualities explicit under massive expansions of the new technology medias of communication, a message in general become susceptible to various and as heterogeneous possible senses given to the availability of it something previous to complete the cycle of the inscribed circulation process in an heterogeneous fractality, it all about the new challenges of the XXI century biggest companies.  The interface for instance comes to be a resemantizer creating new forms of languages or interpretations according to the mutability of a matrix. To say it best, if an interface appears as a mediation factor between two forms of languages, or two semantique codes, it is also susceptible to receive new senses as soon as an actor knows or interact with this two kind of codes.

 

The Big Blue Eye

For instance, I am mainly engaged as a single artist in working with new media’s also as a means of expressions because it motives me as something always toll fully present each time with my body at each space in creating the piece from my laptop setting to a site specific for the piece to be show, it is always evolving a present in the space that instants a real time passing, mutting.

The Big Blue Eye is a serie including pieces as Horizont 2 and Moon about the variability of what is usually being processed and experience by us from the screen and is initially based on a visual graphic technologically defined as Onda YC, something I choiced and taked from a so-called YC waveform which is a computer program defined to service easily the visualization through an edition program of the level of luminosity and chrominance of a sequence in a video. Being a technology software available at the computer to be used when one is editing a video sequence, it provides a highly defined way to graphically seen as in a colours and luminosity abstract map, a kind of basic elements translator, the intensity of light and colour in the signs of a visual video  while it is being rewind, record or forward frame by frame along a sequence, it creates squematas and precises two main indexes, ranges from 7.5 to 100 IRE in the United States and a range from 0 to 100 in Japan.

By using it the user can regulate, decide and or modify light and colour in the video final edition, it supposes to be related with the level of distinctions about the high quality of an image including bright, colour and constrat in any film, video or visual program that is being late also teletransmited and circulated, such ranges principles are defined by the telecommunications industries and are itself created to increase and improve the quality of the visual and the perceptual in contemporary societies to benefy it.

I then selected it and taked it as a pre-text or a visual motive to mainly appear in my pieces not exactly to equalize or functions about a film, but to be itself showed, the program graphics itself is being here the image to be showed and projected on the screen of my art pieces, Horizonts, for example, the piece itself is mainly  a big screen with a contant image projection that consist in a 1 minute little video loop, repited again and again that consisted in a urban landscape I choiced and record being now projected on my screen piece but being seen through the YC waveform. The viewer himself what visually perceive here on the screen is a basic colours and luminosity very abstract film record of a urban landscape sequence record but including as image also the graphics of the YC program through which the sequence is being seen.

As a serie The Big Blue Eye consist about environment art installations site specifics that synthesis various experiments I did which such a graphic creating with it a poetry of aleatorials around various, heterogeneous motives that encompasses distinct urbans landscapes including also some evocations to high visual art and film motives such as Ives Klein blue paintings, Nam June Paik electronic moon or Walt Disney Fantasy. This serie ended and synthesis a previous period of my art which also prepared the opens avenues to my current ones. Poetry, systems of valious and the parable principle on how Media’s technologies are enclosed in itself as a cycle of self-contained and reference mostly define in between contemplation and seduction.

Being also a 1 minute audiovisual loop repited again and again, Moon consist in an environment permanent projection on the screen of an image also taked from such a graphic program but now accent not as much a fragmented urban landscape within the program graphic also be showed, but on how an effect produced by the program transform a recorded input in an abstract image which being choiced and taked to get it out seems to be at the screen a biggest and gestural painting stein, an electronic stein, by instance. Also insite goes to a similar way.

I defined this kind of pieces visual effects as histograms. A piece as Action 1, for example, consist about an audiovisual experience that result from being long time highly concentrated in contemplating one of this created images. Now in a ritual mode which evoques the relation between me and the computer, the piece invited the viewer to be almost hypnotically focused in each one of this sequences of histograms around subtle and fine colour and luminosity changes while a music piece of classical musician Bach sound environment the room as retaking from previously being used as such at Waltdisney movie fantasy.

Now, however, as a new data, the screen begins to be modified in my art. While previously I used conventional bidimensional screen as surfaces to project the inmaterial projection, in action 1, a more extensive and complex record piece, the screen itself begins to be part of the experimental creating it not as a pregiven by convention bidimensional screen, but as a three dimensional volume displayed in the space as a form, an aesthetics proposal, by the way, the project inmaterial loop and more extensive, complex image is now being perceived under and over a more intrinscate and imbricate volume, spatial and site specific surface that is at the end just and only an screen.

This principle of experimenting not only with the image, but also with the support surface in which the image is gona be projected, is then highly develop even more in a next piece I did which consist not only in making the surface a volume in the space, but about selecting it outside as it is given to us from reality, to this piece I just choiced an old parking lot or empty cars garage site located at an oxygen industry.

The image is now being simply projected on the parking lot walls and columns providing to the viewers and visitor the possibility to intervene from my laptop by providen a sensor toll that fascilite them to do something that obviously and immediately modify what is being projected and seen on the walls, including a little camera that projects their own image and the fact that in this piece environment sound is what really trigger the visual histogram changes on the walls.

Here the image and the sound environment begins to participate in the piece creating an alive organism and the presence of the viewer suggest with more accent something I am always interested in my art which is the presence of a thirst one between me and a passive viewer, which is another that this time intervene and participant in what is being seen itself including his participant image.

 

As Abdel Hernandez San Juan point it out,

” The world is being transformed in a telecomunication itself, the destinataries of languages are becoming themselves dispositives of transmissions whose function is defined to mediate not only already representations on the world of things out, even if also if we seen at is as a miniaturized, infinitesimalized microrepresentations as diminutes narratives, but mainly representations on the principles itself which transform a mediation in a matter of presence a presentation, its offers out a mediation that presence presentation as something being possible by a technology dispositive, the apparatus, and by the destinaties transmissions of a telecommunication world whose mediation presence presentation.”

Abdel Hernandez San Juan, Theorizing Media Today.

 

While all the previous pieces evolves in several forms inclusive sounds, with essays 3 at moon the sound disappear including in the piece the only element which connect a referent to a matrix. This time, my own reading of it is being focused on mediaticity and seduction. I accents here to what is usually not showed, the signs of the electric impulses. In this piece I am presenting the convivalis with a natural signal as an electrical impulse we ussually dreeses with an image.

By the means of presenting it I am looking for showing the mutability of it. Each time I exhibit the onda I and also exhibiting how easily it is being mutting including the variability of the matrix. I consider my pieces in fact not as much as enclosed objects but as labs opens to the mobility of contents while from Horizont 2 to The Big Blue Eye my art is being moving from aleatorials to the rationality of an spatial and temporal convivalis, for instance, the relation between art as experience and art gestural practices including performance and happening, video installations, multimedia, net art and video game, entrance to be part of another sensorium in the space beyond simply a symbolic and contextual meaning to speak about sensorials ways to interact with the space.

As Ranciere pointed it out on the means of a “change of sensibility”, the relationships between art and experience becomes attentive to sensorial and intellectual processes since the piece transform the space. To say it in best words, the viewer found a more proxemic experience with a site specific or an in-site and the artistic dynamics of our today.

In fact, the art circuit today and its external agents are becoming to experience progresibly spacially and temporally a kind of art that born to create a multiplicity of sensoriums between art as gesture and art in the space as socialization, an issue that define some of the new challenges I recognize today to explicit the relation between the art viewer and the art piece beyond aesthetics prejudices.

In the high the light undresses. As explained before my intervention piece at the ancient industry of oxygen altahabana developed on a pregiven environment but it was a duo piece as I did it with a musician Rafael Rodriguez. One of the main motivation here was about how to relate ourselves in a new form with urban spaces. Like a workshop the piece evolved a convivalis directly in site around the creative process and the physical space. Titled 5 minutes, the piece invite an unespected viewer and anyone to look at the space in a new form, pasibly as contemplation or interacting with it using themselves a program from the webcam.

The image in this piece was controlled by music and the viewer game, the date of the viewers perceptions changes interact as image with forgotten spaces such as this kind of parking lots exactly how it is being naturally, through light, sound and gesture, a forgotten space, becomes alive and to a poetry halo that suggest a city convivalis on the ruins of an older building. Even when anything created by us was a part in an enclosed circuit, the data process comes out to real time and proposes an optimistic view on how to relate ourselves with our own circumstances.

 

Something on the screen in contemporary art

If we explore about a screen´s studies field, we find just a few researches about it. In general, a criticism develops this matter in two ways. One analyzes the screen since a negative opinion of mass media culture, leaving out a cosmologic field, which it proposes, to culture sense. Other provide of their relation with cinema and video art space. In these the screen isn´t a meaning, it´s just a superfice to project something else. However, a group think the screen as culture as conceptual and aesthetic matter. As phenomena, sensorial, intellectual and aesthetic aspects of screen change ways to make and think art differently to traditional video-art-installation and the mass media criticism culture. Now, art connects intellectual and pure space of knowledge and poetry in art with your aesthetic and sensorial forms of matter. They show us mixed in harmonic relation, developing other ecological art´s natures.

The cimatic, which provides from physics field, it comes as rich experimental space for visual artists and electronic musicians. It has taken relevance in art spaces with the dynamic representations of electronic sound frequencies in graphic’s waves viewers projected on space.  Carsten Nicolai is a German sound artist which alias is Alva Noto. He uses the cimatic to represent audiovisual abstract sequence´s data of sounds through wave viewers, oscillators and tone generators. His sounds went an electric information´s transmission; as now fax tones, modem sounds or phone clicks are sampling and using in real time remixing over other sounds and images.  Ryoji Ikeda is one of best contemporary musicians of Japan. He developed many art installations and multimedia shows like data.tron [prototype] (2007) y spectra II (2002). In his works he used a minimal ultrasonic sounds to show to public their frequencies through wave viewers. He issue consists to search ways to look how time perceptions is given to us into space with technology´s help. In alliance with Carsten Nicolai, Ikeda works in collaboration project called “Cyclo”, to synchronize programmed music and audiovisual graphs in real time. Both took influences from video-installation, video-art and mapping.

In my pieces of art, the histogram are connecting to cimatic motivation in way to present aesthetically a digital world presence and it possibilities to see process ungiven before. Even if it differs conceptually. In my case, image isn´t sound viewer, it´s image bring itself to us as frequency.

Video- interactive installations, multimedia, mapping, micro-urban cinemas are thinking to exist in site into art sense. A sensorial and sinestesic relations as develops into space as direct experience living, is an important data in this kind of art. It helps to understand its meaning because it exists into specific space-time. The art pieces of this nature keep a harmonic and necessary links with site-specific art field and depend of space rules. The gender of expanded screen are ways to share a mint space outside the desktop to show us it is significant.

My art is consequence of this audiovisual culture born in our relationship with screen. It develop into repetition, muting and flexible of new culture; in synchronic of time as language, in its sublime, aesthetic and beauty of perception; a relational ways reminiscent into nomadic existence, and their image expanded into space. It´s a free territory opening to aims, it will muting and moving with past of time. It´s a complex an unfinished space. It speaks about the present and commands our attention immediately.

 

aissa

 

Translated from Spanish to English by Abdel Hernandez San Juan

 

 

Notas

 

1-Heterogeneus Fractality1, a concept from Abdel Hernandez San Juan essay Theorizing Media Today, a chapter in his books The Presentational Linguistic and The Intangible, http://www.digitalcultures.org/Library/El%20Presentacional.htm, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Intangible.htm, London, England

 

2-   I refer to an investigation being possible thanks to art and to sciences as archaeology and anthropology, but also statistics, biochemistry and medicine.

 

3- About interfaces variabilities Juan Martín Prada speaks at his book Prácticas Artísticas de Internet en la Época de las Redes Sociales

4- In 1950, Ben Laposku, an lowa matematizian, creates oscilones as electronic abstractions from analogical computers, a possibility to work with ondas electronically registered, computer graphics, computer art and infoart.

 

Bibliografía

 

Abdel Hernandez San Juan, Theorizing Media Today, from his books The Presentational Linguistic http://www.digitalcultures.org/Library/El%20Presentacional.htm, and The Intangible, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Intangible.htm, London, England

 

Abdel Hernandez San Juan, Acrobats: Aissa Santiso, unpublished paper

 

Abdel Hernandez San Juan, The Phenomenic/Phenomenology of Technology, from his books The Given and the Ungiven, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Dado.htm and at The intangible, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Intangible.htm, London, England, also readen as lecture at the panel Art, Technology and Environment, Abdel Hernandez San Juan,  Luis Gomez and Maira, ISA, Lecture rooms, University of the Art.

 

Rosalind Krauss, Video: The Aesthetics of Narcisism, en Battock, G (ed), New Artists Video. A Critical Anthology. Nueva York: E.P, 1978,pp 43-64

 

Jacques Derrida, Ousia and Gramme, Márgenes de la Filosofía, Ediciones Catedra, Madrid, 1989, (Time and Presence), Tiempo y Presencia, (Ousia at Gramme),  edición electrónica, www.philosophia.cl/Escuela de Filosofia Universidad Arcis, publicado como En Tiempo y Presencia, Editorial Universitaria, Santiago de Chile, 1971, publicado por primera vez en L Endurance de la Pensee, Plon, Paris, 1968, publicado posteriormente en Margenes de la Filosofia, Margings of Philosophy, The University of chicago Press

 

Umberto Eco, La Estructura Ausente, Editorial Lumen, 2005

 

Umberto Eco, La Obra Abierta, Seix Barrall

 

Ben Laposku, Computer Graphics, lowa

 

José Luis Brea, Screen Art, The Postmedia Age

 

Juan Martín Prada, Prácticas Artísticas de Internet en la Época de las Redes Sociales

 


El screen en el arte contemporáneo

Por Aissa Santiso

Con la expansión de las video-cámaras, la pantalla comenzó a inundar los espacios urbanos y privados en las sociedades modernas, el documento audiovisual comenzó a desplazar aquello que solo hasta ese entonces pertenecía al espacio del cine y las artes visuales. Hacia 1960ta, con la contracultura y los cambios epistémicos de entonces, el video devino un medio común y eficiente de registro y la pantalla escenario indispensable para la circulación de información, experiencias y deseos, con la expansión de la TV y luego el internet, ella devino ritual.

Como explicita rosalid krauss en su ensayo, el video arte, la estética del narcisismo, con las expresiones del avantgarde posterior en la 2da mitad del siglo XX, se comienza a abordar la llegada de ese media en la cultura, creándose una multiplicidad de artistas de búsquedas como las de Laurie Anderson con sus performances multimedias, Jenny Holzer con la publicidad, Naum June Paik y Vostell, Circuito cerrado de Vitto Aconci, TV de fieltro, 1970, de  Beuys.

Con la expansión de la tecnología a todos los ámbitos urbanos y sus formas de mostrarse, el screen como medio ha conducido a una pluralidad creativa heterogénea en los espacios de las artes visuales de la tecnocultura, sea como presencia online, offline, espacial o urbana.  Con el medio como artilugio tecnológico, esa pura fascinación, deslumbrar pasa al primer plano, más que articular discursos, cambios epistémicos que fluctúan e intervienen en las relaciones entre arte, tecnología y cultura, obras como Homographies 2006, Frecuency and Volumen 2003, de Rafael Lonzano-Hemmer; Trash Mirror, Daniel Rozin; Hello Hi There, 2010 de Annie Dorsen,…..

“Un compositor que usa un carro para ir a una sala de concierto está manejando tecnología. Pero cuando Laurie Anderson compuso conduciendo un concierto de motociclistas con el pitido de los clauson de los carros, ella está siendo creativa”. 1

Con el advenimiento de las telecomunicaciones e internet, la relación epistémica o prosémica de la tecnología con la hermenéutica y los hábitos creados en una sociedad en red sustentada en el intercambio online, la información que circula en el aire es incontrolable. Los campos de la antropología, la filosofía, sociología y sus otros campos de las ciencias sociales, se modificaron con ello.

Desde mediados de los 90ta, los artistas comenzaron a trabajar online viviendo literalmente la realidad detrás de sus pantallas; tomando el sentido de la realidad desde una perspectiva en la cual forman parte en un lugar trabajando. En internet puedes ver cualquier lugar y a cualquier persona al mismo tiempo, surfeando lugares sin la presencia física o temporal del cuerpo, puedes jugar con diferentes identidades. El arte viene desmaterializado y puede viajar a cualquier territorio al mismo tiempo en un abrir y cerrar de ojos. Representa el ser digital. No necesitas instituciones, porque tú puedes ser tu propia institución, galería, curador, crítico de arte, todo a la vez en un mismo espacio.

Según el criterio de Domenico Quaranta, los artistas pioneros del net art estaban jugando el juego del fin de siglo en el cual cualquier tipo de statement se convierte luego en establishment o desaparece en lo underground. Estos pioneros estaban ayudando a construir una plataforma tecno-social que rápidamente se convirtió en el centro de atención del mundo occidental, la sociedad de la información. El net art fue, e incluso sigue siendo, una Zona Autónoma Temporal (TAZ), totalmente consciente de su propia impermanencia. Actualmente este espacio ha tenido que adaptarse a las nuevas realidades de integración y autonomía, entre libre distribución online y mercado de arte, entre el igual intercambio y las estructuras institucionales, el arte underground y el mainstream del mundo del arte.

El artista multimedia. La presencia del cuerpo con la pantalla

Lo performático pasa a primer plano cuando la presencia física del artista en flujo con la acción que presenta simultánea a la pantalla cataliza lo que en otros escenarios seria dado a otras manifestaciones de la cultura. Aquí la postura fragmentaria de nuestra tradición occidental nos ha enseñado a clasificar los espacios de los sentidos, su sensorialidad y su concepto. Los artistas multimedias han tenido que aprender a ser nómadas, de ahí su capacidad de adaptarse a los espacios y a los lenguajes. Hoy inclusive, después de las vanguardias, de la actitud postmoderna al descentramiento, en la era del internet, identificar al artista multimedia dentro de un espacio específico de la cultura se hace complejo. Si la actitud multidisciplinaria y transdisciplinaria a partir de Dada en el siglo XX les fue dada a la experimentación dentro del circuito de las artes visuales, aunque estas eran alternativas, el público aprendió a aceptarlas dentro de este medio como una experiencia exótica.

Hoy, las normas de las artes se han flexibilizado y adaptado a los cambios epistémicos de la contemporaneidad. Ejemplo de ello son las obras de Laurie Anderson, aunque defendiendo un lenguaje de género es una artista que ha sabido utilizar los medios de la información de su época, en conjunción con los objetos tecnológicos cotidianos, para sugerir a través de su presencia física en el espacio una crítica socio-cultural que lo resuelve desde el espacio de lo abstracto-sensorial, utilizando los medias dentro de su propia lógica. Ella es uno de los pocos casos que realmente discursa atraves de la acción multimedia o de aquello a lo que el media mismo inaugura y crea en la cultura, una nueva cultura. Sus videos, conciertos, performances se expresan simbólicamente en gestos de sonidos experimentales con el uso de interfaces, sintetizadores, luz y pantalla. Artista postmoderna de las últimas dos décadas del siglo XX.

Con la tecnocultura, la cinemática3 como campo de estudio que viene de la física, ha tomado prevalescencia en el arte para la representación dinámica de las frecuencias modales del sonido electrónico en esquemas modulares de visualización de ondas proyectadas en el espacio. Alva Noto es el nombre del artista alemán del sonido, Carsten Nicolaique se vale de la cimática para representar el sonido en secuencias audiovisuales abstractas de datos en visualizaciones de ondas, osciladores y generadores de tono. Trabaja sin secuenciadores y edita matemáticamente su trabajo, otorgando a sus composiciones precisas estructuras rítmicas. Esos sonidos de transmisiones eléctricas de información como ahora tonos de fax, sonidos de módem o clics de teléfono son sampleados y organizados en bucles a los cuales Nicolai añade otros sonidos electrónicos en diferentes planos a medida que la composición avanza. Es miembro de los grupos Signal (junto a Frank Bretschneider, cuyo alias es Komet y Olaf Bender, también conocido como Byetone) y Cyclo (Con Ryoji Ikeda).

Ryoji Ikeda uno de los artistas de música electrónica más importantes de Japón, ha desarrollado numerosas instalaciones y presentaciones multimedias data.tron [prototype] (2007) y spectra II (2002) en las que su obra se concentra en las minucias de los ultrasonidos, visualizando sus frecuencias y otros gráficos del mismo. Su trabajo se concentra en la percepción del tiempo con que  nos es dada la información que viaja en el espacio físico. Ikeda ha estado desarrollando unos particulares métodos “microscópicos” para la composición e ingeniería del sonido. Junto a Carsten Nicolai, trabaja en el proyecto colaborativo “Cyclo.”, con música programada y módulos audiovisuales para la sincronización en tiempo real del sonido y la imagen. Ambos toman de la video-instalación, el video-arte y el mapping.

Ryoichi Kurokawa es otro de los artistas multimedias jóvenes que lo que busca en su trabajo es “sentir audiovisualmente el tiempo y el espacio”-según el mismo artista-. A veces usa múltiples pantallas para desviar intencionalmente la atención y concentrar al espectador en un ambiente sensorial que funciona como flujo de información visual y sonora, a la vez que poéticamente sus imágenes nos remiten a la naturaleza. Una naturaleza electrónica o simplemente la naturaleza orgánica del número, aquello a lo que Hegel anunciaba con lo uno y lo múltiple: “Unidad y multiplicidad abstractas son como las determinaciones del espacio o las categorías del entendimiento”.

Actualmente son muchos los que han utilizado los recursos de la cinemática para demostrar fluctuaciones abstractas de información que viven en constante armonía con los mundos espirituales o auráticos que propician el entramado de las telecomunicaciones y la telepresencia, avecinando una forma otra de ver y sentir la naturaleza de la tecnología como algo no separado de los procesos cuánticos de la naturaleza misma. Una especie de conjunción entre la presencia y la apariencia de la nada. Aquella nada a la que la cuántica dio forma y lenguaje. Hoy, la cinemática es muy aceptada dentro del mainstream del arte experimental contemporáneo, participando en espacios de Arts Electrónica; Telefónica; Art Basel 2014, Suiza; Tate Modern; galerías, Bienales y colecciones.

El carácter interactivo de la pantalla

Por qué nos sentimos seducidos con aquellos objetos que poseen un carácter interactivo?. Será acaso la necesidad de sentir que por un simple gesto puedas incidir en la creación de algo o en su cambio. La sensación de mostrarle al otro la importancia que un simple gesto pueda tener, repercutir o accionar en algo mayor al que a él se le ha invitado a formar parte, es la mayor relevancia que desde mi punto de vista le veo a la interactividad. Como un juego, el carácter interactivo de la pantalla está presente desde que nos levantamos y apretamos el silenciador de la alarma del celular a las 7 de la mañana, el placer de dáctilmente desactivarlo es lo que nos hace poner, a veces, la alarma del celular antes que la alarma de un reloj de mesa.

La pantalla al haberse expandido en la vida diaria a través de su interactividad dáctil, ha incrementado el placer al juego, a la multiplicidad, a la variabilidad, a la reciprocidad e incluso, cuando este placer se impone se sobrepasan las diferencias y los límites que puedan existir en el grupo. La interactividad y lo lúdico responden a necesidades básicas sociales e individuales, la curiosidad, la incertidumbre y la recompensa nos hace desear ser una parte activa del juego. Al igual que la robótica, estas nos enseñan que a través de la interconexión y la colaboración activa se obtiene lo deseado multiplicado. En otras palabras, estos medios se acercan más a la gente, se conectan con ellos, los personifican dejando estos de ser puros medios para ser otra extensión de su vida, de su cuerpo y de su tiempo.

Eso ha sido lo que ha buscado el arte en la interactividad, hacerse más proxémico al público, y a la vez enseñar al espectador a perder el miedo a la barrera ética que ha separado a las artes visuales del hombre. El arte contemporáneo y los new medias han tomado lo lúdico y lo interactivo con mayor frecuencia acordes a las necesidades coyunturales de nuestros tiempos, devolviéndole al arte relaciones ecológicas que antes no se le había ofrecido.

Más que un simple juego de ordenador, SimCity es un generador de paisajes imaginarios, un ejemplo de tecnología de simulación aplicado a los objetivos de un videojuego. Los estudiosos explican su popularidad por la respuesta que ofrece a la necesidad humana de miniaturizar lo real, de reinventar el mundo de forma microscópica, de convertir la experiencia urbana cotidiana en algo inteligible, manejable, tranquilizador. Mediante el poder de la simulación, el diseñador Will Wright pone a disposición de los jugadores una ciudad para que la urbanicen a su gusto, otorgándoles no sólo el papel de jugadores, sino también el de diseñadores de juegos. SimCity carece de criterio establecido para ganar (incluso el juicio de si una ciudad está eficazmente gestionada o no se deja al propio jugador). SimCity es a menudo considerado como un “God Game”, un género que ha contribuido a perfilar y en el que los jugadores, más que dentro del propio juego, se sitúan por encima de él, controlando el resultado. Wright creó después Los Sim, el juego de ordenador más conocido de todos los tiempos.

El Blog Art, según la artista Olia Lialina, es un curioso objeto digital como escena para muchos artistas. Son micro-galerías individuales y colectivas que operan, circulan y son consumidas desde la web. Aunque posee una plataforma promocional tienen un carácter social y relacional, en la mayoría de los casos este espacio es utilizado para circular y visualizar mucho del arte proceso, arte de experiencia que se generan en proyectos multi y transdisciplinarios conocidos como laboratorios o labs que se producen para incorporarlos en la web posibilitando nuevas ecologías para el intercambio de los procesos ricos que acompañan a estas experiencias. Siendo los blogs una plataforma de exposición constante para el arte que se produce online.

Plataforma online Rhizome, creada por el curador, fundador y artista Mark Tribe, 2002, en el Moving Image Gallery, New York. Artistas como Abe Linkoln, Marisa Olson, Olia Lialina, Johannes Birringer, son algunos ejemplos.

Arte después de internet: Postinternet.4

Alrededor del fenómeno de la cultura del network con el impacto que tiene internet en la cultura, el postinternet es una consecuencia de la tecnocultura global expandido en la cultura mundial. Como asimilamos, interactuamos y pensamos el arte, inmersos en una cultura que ha creado internet, en procesos interconectados que devienen ricas ecologías entre los seres sociales del nuevo siglo?.

Antes el espacio del arte en la red se circunscribía al net art dentro de la web, ahora con el fenómeno de la Web 2.0, las funcionalidades del internet y sus espacios se han difuminado en todos los aspectos cognitivos, intelectuales y sensoriales; por ende la epistemología con internet ha cambiado, los procesos que dictaban las relaciones de valores en el arte mutaron hacia otro tipo de acepción de la sensibilidad.

La producción del arte se relaciona a la estética que genera internet y la era digital. Esta es una definición que no pretende ser absoluta sino tratar de darle nombre a las nuevas formas de estética, ecología, sensibilidad e intelectividad nacida en esta plataforma social y comunicacional que ha devenido en cultura.

“Ya el arte de internet no solo puede distinguirse en una relación estricta entre la computadora e internet… Pienso que es importante añadir que el impacto que internet ha traído para la cultura puede ser realizado en el network pero también este puede existir offline… Postinternet es un momento, una condición, una propiedad y una cualidad que acompaña y trasciende al new media… La experiencia sensorial del arte es postinternet, que es surgida y distribuida dentro de la era nacida después de internet… “, Marisa Olson

“Nuestra relación con internet está cambiando rápidamente. Después del dot-com crash algunos dicen que el internet ha muerto. Esto no ocurrió pero tuvo luego dos consecuencias. Por un lado, todos aquellos que trabajaban con internet tuvieron que mover sus contenidos y actitudes hacia estructuras y empezaron a trabajar para lo que posteriormente se denominaría la Web 2.0 . Por el otro lado, internet ya no representaba algo por lo cual tenías que estar obligatoriamente conectado en red: él estaba siempre presente. Cuando internet ha inundado el espacio de lo cotidiano, es muy difícil percibirlo como algo más. Más y más personas se han familiarizado con el lenguaje y la cultura de internet.

Para la nueva generación de artistas no existe el ayer al cual pertenecimos nosotros. Ellos crecieron con internet. Ellos no pueden retroceder al contexto en el que el net.art se basaba en una especie de resistencia hacia la institución y los espacios del arte. Ellos empiezan a trabajar en ambas plataformas simultáneamente, la online y la offline. Ya los prejuicios que existían a inicios del net.art entre la web y el White Cube, dejan de ser un problema trascendental. La nueva generación comprende las posibilidades múltiples que la tecnología, la ciencia e internet ofrecen en una sociedad interconectada de la cual forman parte.

Todo deviene en una nueva especie de cultura global”.  Domenico Quaranta

Internet ha cambiado la forma en la que nos relacionamos con la pantalla. Antes esta solo le era dada al discurso de los mass media, hoy es el vehículo por el cual uno puede estar conectado y participar de la comunicación con el mundo. El screen en el Postinternet representa esto, posibilitando una comprensión ilimitada del conjunto de relaciones múltiples, plurales y proxémicas de la cultura con la tecnología a través de la comunicación. Por ende ella no se limita solo al recorte del desktop, el ciberespacio se ha expandido también al espacio físico. Utilizando soluciones que les son prestadas al arte procesual, conceptual, performático, happening y la intervención pública el video-arte, el cine experimental, la instalación, el arte multimedia.

La pantalla expandida.

“Bienvenidos al siglo de la cultura audiovisual”

En esta línea prevalece el arte que es pensado para existir principalmente offline. Las posibilidades sinestésicas que con la tecnología y la ciencia se producen son extrapoladas al espacio físico, en los que toman forma en especies de video-instalaciones interactivas o multimedias, para generar especies de ambients. Explotar los aspectos sensoriales que trae la luz expandida en el espacio es potencializador de los aspectos intelectuales que suscite aquello que se presenta.

Muchas de estas obras mantienen una relación armónica y necesaria con el site specific, y dependen de las coyunturas espaciales que el propio espacio en el cual se sitúa la pieza exigen y demanda. Tanto las instalaciones multimedias, video-instalaciones interactivas, mapping, micro-cines urbanos son pensados para existir in site, por ende la relación sensorial y sinestésica como experiencia directa que ofrecen en el espacio, es un componente trascendental para comprender aquello de lo cual discursan. Es un arte que no puede separarse de la experiencia vivida, ya que existen en ese corto espacio-temporal del cual su repetición se hace insostenible, llevándolo a su agotamiento.

La superficie se convierte en un activador de sentido que completa aquello que se proyecta sobre ella. Un espacio virtual al cual el público puede entrar físicamente, ya que no somos nosotros quienes irrumpimos en un espacio ciber que no nos corresponde como presencia física sino al revés. Este refuerza e impone una realidad que se está desdibujando entre la realidad de la mente y real como verdad irrefutable de la lógica y de lo físico. Son manifestaciones de socializar el espacio de la mente más allá de la ventana o recorte del desktop, mostrando su trascendencia. Quizás algún día cercano, lo que conocemos por mapping, software art, multimedia, se mezclen en una escena en el que la pantalla interactiva proyectada sobre sus disímiles superficies de lo urbano inunde su paisaje como si estuviéramos caminando sobre la pantalla dáctil del ipad.

Los Laboratorios como experiencias transdisciplinares

Actualmente el soporte que muchas empresas, bancos y fundaciones le dan a los proyectos de carácter transdisciplinarios que nacen en su mayoría en las universidades, han propiciado que la creación de los llamados talleres de laboratorios experimentales o los labs sean cada vez más necesarios para el desarrollo progresivo de las sociedades contemporáneas en el nuevo milenio. A continuación seleccione algunos ejemplos de labs con perspectivas y formas de trabajar diversas que en su esencia buscan un bien común, posibilitar el intercambio y el desarrollo cualitativo en vías del conocimiento, cierro así con fragmentos sobre interactive art de un texto de Johannes Birringer tomado de su Interactive Manifesto y Fragmentos sobre reconfiguración de la escritura de Abdel Hernandez San Juan, tomados de su libro The given and the Ungiven.

Puede alegarse, por consiguiente, que nuestro fundamental interés en nuestros métodos de trabajo siempre ha sido la interacción con otros y con ambientes, tratando de hallar relaciones expresivas y de experiencia sensorial con los procesos de lo social/artístico orientados en dinámicas del espacio. Las relaciones de proceso implicaron movimiento, voz, dialogo, proyectar filmes e imágenes gráficas, música, lugares construidos u objetos encontrados, los mundos networked/virtual, los instrumentos y las narrativas ficticias.

Establecer un espacio para el ensayo –por ejemplo un bailarín interactuando con la escritura del software, o un compositor llevando sensores sobre el cuerpo, o entre ingenieros electrónicos y cantantes. Nuestros performance siempre han sido cortos, a veces largos, experimentos dinámicos en la producción espacial, proveyendo al público a estos espacios a través del acceso de navegación on site, tomando los visitantes diferentes escenarios temporales virtuales (interlinked, networked events).

Desde que la mayor parte de los despliegues del público al final las acciones del laboratorio fueron interdisciplinarias y tuvieron la intención de probar los dispositivos  junto con la funcionabilidad computacional de diseño de la interfaz y sus calidades estéticas potenciales, la naturaleza de estos acontecimientos híbridos no fueron siempre evidentes y eran ciertamente confusos a las expectativas convencionales, como los ecos en la prensa regional pueden atestiguar.

Así nuestra filosofía de funcionamiento conjuntamente no es programada nunca: »La interactividad « sobreentendidas como el desempeño del interaccionar dentro de ambientes computacionales usando sensor o las interfaces digitales basadas en cámaras no han sido nuestro único ímpetu para examinar tecnológicamente procesos basados de participación.

El enlace que llamamos la interacción consiste en la solidaridad y fusiones temporales. Pido prestado el término » el enlace « (sviaz) del cineasta ruso Dziga Vertov, que creía que el cine de los años 1920s, el cuál fue una tecnología emergente del montaje de su tiempo, ofrecieron un sentido de conectividad y mezclar sustancias, un sentido de catalizar interacciones entre objetos diversos y aparentemente inconmensurables.

Nuestro laboratorio trata de buscar algunas relaciones con una variedad de énfasis sobre los discursos que surgen cada momento en un grupo de personas reunidas en busca de conocer sus propias preferencias.

          

           Interactive Lab, Johannes Birriger

Estos son los tiempos en que escritura ha de ir a si misma según la contigüidad, la página virtual en el computador, o el blanco del papel, su materia física, su faticidad, y filosofarse allí como escritura, no como texto, en relación a la performatividad, speach act e inscripción, speach act theory. Son los tiempos, en que escritura ha de ser deslastrada para volver sobre si misma según ciber, para preguntar en qué modos encontrará escritura en ese viaje sobre si misma, en esa nueva travesía, momentos de sí misma que habría abandonado o dejado a un lado, para encontrarse con ellos y leerse.

Pero escribir y leer son ellas mismas desde el punto de vista físico actividades distintas, la escritura es una actividad que desenvolvemos en la forma de una scriptura, un tipeo dáctilo sensorial o una inscripción según sea el media con el cual y sobre el cual la desarrollamos, si es el tipeo digital en la relación entre el teclado y una página virtual en el computador, a través del cristal, si es una pluma o un lápiz sobre una hoja de papel, o si lo es en formas aun más antiguas como aquellas en las que el material que provee la inscripción ha de ser, como en la pintura, vuelto a recoger una y otra vez como la tinta en el frasco a la plumilla, el pincel o a través de la litografía, la xilografía u otros medios.

En esa disolución que corresponde al fenoménico y el coseico tecnológicos, nuestra escritura esta frente a un reto, un nuevo reto, la movilidad, el dinamismo, la mutabilidad, la ludricidad, la aleatoriedad y la fractalidad de ciber con sus movilidades y suscitaciones propias le sitúan como fenómeno táctilo sensorial y táctilo perceptivo frente a la vivacidad y vitalidad de algo que, como la naturaleza misma, se desenvuelve en el ahora y aquí de un vitalismo, ese cibervegetarianismo. Es el reto de poderse desarrollar, reinventar y adecuar a la ludricidad que ciber le supone, en tanto ciber conlleva, lo sabemos, esa forma última de la forma, y de la lógica formal de toda forma que es la presencia de ese presente vivo vuelta tecnología, ese presente absoluto cuyalógica es transcategorial y por lo mismo se mueve más allá de géneros e inscripciones sin los cuales escritura no sabe cómo desarrollarse. Esta es, claro, una escritura de inspiración y creatividad muy distinta a aquella otrora escritura que se inscribía sobre soportes omitidos según tantas muertes simbólicas en aquella relación de la materia al mausoleo. Relacionada al iner time y a la contigüidad escritura recobra su presente vital, el digito computarizado al blanco de la página virtual, el cursor, el pincel. Si escritura está por el momento, en este momento, en su momento de pensarse sin aquellas sujeciones, de suponerse según ciber le seduce, le induce, le mueve, le comunica, escritura entonces viaja se ha ido, de hecho, por el efecto de un send o un chateo

de un attachments

Varios ensayos de un lado a otro en fracciones de segundos, leo aquí,

Sobre ese web,                                              encima de esta superficie,

Sobre este sitio,

Como seres planos

Como un ser plano escritura es ella misma,

En ese espesor en que se deja leer,

Corto aquí, muevo allá

Estos fragmentos.

Abdel Hernández San Juan, El lenguaje sobre su afuera .

Bibliografía

Abdel Hernández San Juan, EL LENGUAJE SOBRE SU AFUERA, en The Given and the Ungiven. http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Dado.htm, London, England

Rosalind Krauss, Rosalind Krauss, Video: The Aesthetics of Narcisism, en Battock, G (ed), New Artists Video. A Critical Anthology. Nueva York: E.P, 1978,pp 43-64

Johannes Birringer and Klaus Behringer, Interaction Labor Manifesto/Manifest der Interaktionskunst, September 2014, PoCul-Verlag

Domenico Quaranta, IN BETWEEN. Art and the internet. Editorial black dog publishing. Londres

Domenico Quaranta, FROM OUTER SPACE TO THE WHITE CUBE/ IN BETWEEN, Art and the internet. Editorial black dog publishing. Londres

Marisa Olson, POSTINTERNET: ART AFTER THE INTERNET (2011), pag 212. Art and the internet. Editorial black dog publishing. Londres

Nicholas Lambert, INTERNET ART VERSUS THE INSTITUTIONS OF ART. Ensayo de. Art and the internet. Editorial black dog publishing. Londres

Juan Martín Prada, prácticas artísticas en la época de internet y las redes sociales, Art and the internet. Editorial black dog publishing. Londres

Olia Lialina, FLAT AGAINST THE WALL/ Blog Art/ 2007.Art and the internet. Editorial black dog publishing. Londres

Luis Pacora, video y entrevista a Ryoichi Kurokawa, Documental del proyecto ESPACIO. Fundación Telefónica, España.

HOMO LUDENS LUDENS/TERCERA ENTREGA DE LA TRILOGÍA DEL JUEGO / Playware / Gameworld. De la edición: Laboral Centro de Arte y Creación Industrial, España.

Garcia, Andrea Grover, Thumb with STUDIO for Creative Inquiry and Miller Gallery at Carnegie Mellon University.

Notas

1-Cita que aparece en el ensayo /INTERNET ART VERSUS THE INSTITUTIONS OF ART de Nicholas Lambert, pág 14.  Art and the internet. Editorial black dog publishing. Londres

2- extraído de los pdf realizados por Cristina Figueroa distribuidos en el curso de nuevos medios – ISA, Cuba 2014.

3-. Cimática/ El término genérico para este campo de la ciencia es el estudio de los fenómenos modales, retitulado cimática por Hans Jenny, médico suizo y pionero en este campo, para describir los efectos periódicos que el sonido y la vibración tienen sobre la materia. /Wikipedia 2012.

4- El término Postinternet fue primeramente concebido por la artista Marisa Olson, más ampliamente anunciado  tras una entrevista realizada en el 2008, conducida a través del sitio We Make Money Not Art. Su definición reconoce que el arte de internet ya no puede seguir distinguiéndose como una base estricta entre el computer/internet, sino esta puede identificar a cualquier tipo de arte que de alguna manera está influenciado por el internet y el medio digital.


 

The screen in contemporary art

By Aissa Santiso

With the expansion of the video cameras, the screen began to flood urban and private spaces in modern societies, the audiovisual document began to displace only that which until then belonged to the space of cinema and the visual arts. To 1960ta, with the counterculture and epistemic changes then, the video became a common and efficient recording medium and indispensable for the circulation of information, experiences and desires, with the expansion of the TV and then the Internet scene screen, she he became ritual.
As explicit Rosalind Krauss in his essay, video art, aesthetics of narcissism, with expressions of post-avantgarde in the 2nd half of the twentieth century, a multiplicity of artists begins to address the arrival of that average in the culture, creating searches such as Laurie Anderson with multimedia performances, Jenny Holzer with advertising, Naum June Paik and Vostell, Aconci Vitto closed circuit TV felt, 1970, Beuys.
With the expansion of technology to all urban areas and forms of display, the screen as a medium has led to a heterogeneous creative plurality in the areas of visual arts technoculture, either as online presence, offline, spatial or urban. With the medium as a technological gimmick, that pure fascination, dazzled comes to the fore, rather than articulate speeches, epistemic changes that fluctuate and are involved in the relationship between art, technology and culture, works as Homographies 2006, Frequency and Volume 2003, Rafael Lonzano-Hemmer; Trash Mirror, Daniel Rozin; Hello Hi There, Annie Dorsen 2010 … ..
“A composer who uses a car to get to a concert hall is handling technology. But when Laurie Anderson concert composed driving a motorcycle with the whistle of the Clauson carts, she is being creative “. 1
With the advent of telecommunications and internet epistemic or prosémica technology relationship with hermeneutics and habits created in a networked society supported by the online exchange, the information circulating in the air is uncontrollable. The fields of anthropology, philosophy, sociology and other fields of social sciences, were modified with it.
Since the mid-90ta, artists began to work online literally living the reality behind their screens; taking the sense of reality from a perspective in which part in a working place. On the Internet you can see anywhere and to anyone while surfing locations without physical or temporary presence of the body, you can play with different identities. Art comes dematerialized and can travel to any territory while in the blink of an eye. It represents the digital being. No need institutions, because you can be your own institution, gallery, curator, art critic, all at once in the same space.
According to the criterion of Domenico Quaranta, pioneers of net art artists were playing the game of the century in which any statement is then converted establishment or disappears in the underground. These pioneers were helping to build a techno-social platform that quickly became the center of attention of the Western world, the information society. The net art was, and even still is, a Temporary Autonomous Zone (TAZ), fully aware of his own impermanence. Currently this space has had to adapt to the new realities of integration and autonomy, between free distribution and online art market between equal exchange and institutional structures, underground art and the mainstream art world.
The multimedia artist. The presence of the body with the screen
The performative comes to the fore when the physical presence of the artist in action flow presented simultaneously to the screen catalyzes what other scenarios would be given to other manifestations of culture. Here the fragmentary approach of our Western tradition has taught us to classify the spaces of the senses, sensuousness and concept. The multimedia artists have had to learn to be nomadic, hence its ability to adapt to the spaces and languages. Even today, after the avant-garde, postmodern attitude to runout in the age of the Internet, identify the multimedia artist within a specific space of culture becomes complex. If the multidisciplinary and transdisciplinary from Dada in the twentieth century attitude were given to experimentation in the visual arts circuit, although these were alternatives, the public learned to accept within this medium as an exotic experience.
Today, the rules of the arts have become more flexible and adapted to the epistemic changes of contemporaneity. Examples are the works of Laurie Anderson, although advocating a gender language is an artist who has managed to use the means of information of his time, in conjunction with everyday technology objects, to suggest through their physical presence in the a critical space that meets sociocultural space it from the abstract-sensory, using the means within its own logic. She is one of the few cases that really discursa meaning through the media that action or what the media and make it opens in the culture, a new culture. His videos, concerts, performances symbolically expressed in gestures of experimental sounds with the use of interfaces, synthesizers, light and screen. postmodernist artist of the last two decades of the twentieth century.
With technoculture, the cinemática3 as a field of study that comes from physics, has taken prevalescencia in the art for dynamic representation of the modal frequencies of electronic sound schemes modular display projected in space waves. Alva Noto is the name of the German sound artist Carsten Nicolaique cymatics uses to represent the sound in audiovisual sequences abstract data visualizations waves, oscillators and tone generators. He works without sequencers and mathematically edits his work, giving his compositions precise rhythmic structures. Those sounds of electric transmission of information as now fax tones, sounds modem or phone clicks are sampled and organized into loops to which Nicolai adds other electronic sounds in different planes as the composition progresses. He is a member of the Signal groups (with Frank Bretschneider, whose alias is Komet and Olaf Bender, also known as Byetone) and Cyclo (with Ryoji Ikeda).
Ryoji Ikeda one of the most important artists of electronic music in Japan, has developed numerous installations and multimedia presentations data.tron [prototype] (2007) and spectra II (2002) where his work focuses on the minutiae of ultrasonics, displaying their frequencies and other graphics same. His work focuses on the perception of time that is given us information traveling in physical space. Ikeda has been developing particular methods a “microscopic” for the composition and sound engineering. Along Carsten Nicolai, he works in the “Cyclo.” Collaborative project, scheduled music and audiovisual modules for real-time synchronization of sound and image. Both take the video installation, video art and mapping.
Ryoichi Kurokawa is another young multimedia artists who are looking at their work is “audio-visually feel the time and space” according to the same artist. Sometimes intentionally uses multiple screens to divert attention and focus the viewer in a sensory environment that functions as a flow of visual and audible, while poetically your images remind us of nature. An electronic nature or just the organic nature of number, that what Hegel announced with one and the many: “Unity and multiplicity are as abstract determinations of space or categories of understanding.”
Currently there are many who have used the resources of kinematics to demonstrate abstract fluctuations of information that live in constant harmony with spiritual or auratic worlds that foster the network of telecommunications and telepresence, brewing a form other to see and feel the nature technology as something not separate from quantum processes of nature itself. A sort of combination between the presence and appearance of nowhere. That’s nothing to quantum gave form and language. Today, the kinematics is widely accepted within the mainstream of contemporary experimental art spaces participating in Electronic Arts; telephone; Art Basel 2014, Switzerland; Tate Modern; galleries, biennials and collections.

The interactive nature of the screen

Why we are seduced with those objects that have an interactive character ?. perhaps it will feel the need for a simple gesture can influence the creation of something or your change. The feeling to show the other the importance that a simple gesture may have, or actions affect something greater to which he has been invited to join, is the most important from my point of view I see interactivity. As a game, the interactive nature of the screen is present since we got up and pressed the mute alarm cell at 7 am, the pleasure of dáctilmente disable it is what makes us put sometimes alarm cell before the alarm clock table.
The screen to have expanded in daily life through its DACTIL interactivity, has increased the pleasure to play, multiplicity, variability, reciprocity and even when this pleasure is imposed differences and limits are exceeded that may exist in the group. Interactivity and playfulness respond to social and individual basic needs, curiosity, uncertainty and reward makes us want to be an active part of the game. As robotics, these teach us that through active collaboration interconnection and multiplied desired is obtained. In other words, these means are closer to the people, connect with them, leaving personify these to be pure means to be another extension of your life, your body and your time.
That was what the art has sought interactivity, become more proxemic the public, and at the same time teach the viewer to lose the fear of ethical barrier that has separated the visual arts of man. Contemporary art and new stockings have taken the playful and interactive more frequently in line with short-term needs of our times, returning to art ecological relationships that previously had been offered.
More than just a computer game, SimCity is a generator of imaginary landscapes, an example of simulation technology applied to the goals of a game. Scholars explain their popularity by offering response to human need to miniaturize the real, to reinvent the world microscopically, convert everyday urban experience into something comprehensible, manageable, reassuring. Through the power of simulation, the designer Will Wright offers players a city to the urbanize to your liking, giving not only the role of players, but also the game designers. SimCity no established criteria to win (even the judgment of whether a city is effectively managed or not is left to the player himself). SimCity is often considered a “God Game”, a genre that has helped shape and the players, rather than within the game itself, are above him, controlling the result. Wright then created The Sim, the best known game of all time computer.
The Blog Art, according to the artist Olia Lialina, is a curious digital object as scene for many artists. They are micro-galleries individual and collective operating, circulate and are consumed from the web. Although it has a promotional platform have a social and relational, in most cases, this space is used to circulate and display much of the art process art experience generated in multi projects and transdisciplinary known as labs or labs that occur for incorporation into the web enabling new ecologies for the exchange of rich processes that accompany these experiences. As blogging platform constant exposure to the art produced online.
Rhizome online platform created by the curator, founder and artist Mark Tribe, 2002 in the Moving Image Gallery, New York. Artists like Abe Linkoln, Marisa Olson, Olia Lialina, Johannes Birringer are some examples.

Art after internet: Postinternet.4

Around the phenomenon of network culture with the impact of internet culture, postinternet is a consequence of the global techno-culture expanded in world culture. As we assimilate, we interact art and thought, immersed in a culture that has created internet, interconnected processes that become rich ecologies among social beings in the new century ?.
Prior art space on the network was limited to net art within the web, now with the phenomenon of Web 2.0, the functionality of the Internet and its spaces are blurred in all cognitive, intellectual and sensory aspects; therefore epistemology internet has changed the processes dictated relations values in art mutated into other meaning of sensitivity.
Art production relates to the aesthetics that generates Internet and the digital age. This is a definition that is not intended to be absolute but try to give a name to the new forms of aesthetics, ecology, sensitivity and born in this social and communicational platform which has become intelectividad culture.

“Since the art of internet can not only be distinguished in a strict relationship between the computer and the Internet … I think it’s important to add that the impact that the Internet has brought to the culture can be performed on the network but this may be offline … Postinternet is a moment, a condition, a property and a quality that transcends accompanies and new media … the sensory experience of art is postinternet, which is arising and distributed within the internet was born after … “Marisa Olson

“Our relationship with Internet is changing rapidly. After the dot-com crash some say the Internet has died. This did not happen but then had two consequences. On the one hand, all those who worked with had to move internet content and attitudes toward structures and began to work for what would later be called Web 2.0. On the other hand, internet no longer represented something which necessarily had to be networked: he was always present. When Internet has flooded the space of everyday life, it is very difficult to perceive it as something else. More and more people have become familiar with the language and culture of the Internet.
For the new generation of artists does not exist yesterday to which we belonged us. They grew up with the Internet. They can not go back to the context in which net art was based on a kind of resistance to the institution and art spaces. They start to work on both platforms simultaneously, online and offline. And prejudice that existed in early net.art between the web and the White Cube, cease to be a major problem. The new generation understands the many possibilities that technology, science and the Internet offer in an interconnected society of which they are part.
Everything becomes a new kind of global culture. ” Domenico Quaranta

Internet has changed the way we relate to the screen. Before this he was only given to the discourse of the mass media, today is the vehicle by which one can be connected and participate in communication with the world. The screen in the Postinternet represents this, allowing an unlimited understanding of the multiple, pluralistic and proxemic relationships with technology culture through communication. Therefore it is not limited only to cut desktop, cyberspace has also expanded the physical space. Using solutions that are loaned them the procedural, conceptual, performative, happening art and public intervention video art, experimental film, installation, multimedia art.

Expanded screen.

“Welcome to the century of audiovisual culture”

In this line prevails art that is thought to exist primarily offline. Synesthetic possibilities that technology and science are produced are extrapolated to the physical space, which take shape in species interactive video installations or multimedia, to generate species ambients. Exploit the sensory aspects that brings light expanded in space is the intellectual aspects potentiator that raises what presents itself.
Many of these works maintain a harmonious and necessary relationship with the site specific and depend on the spatial joints that space itself in which the required piece and demand is located. Both multimedia installations, video installations, interactive, mapping, micro-cinemas urban are thought to exist in site, therefore the sensory relationship and synesthetic as direct experience offered in space, is a crucial component to understand that of which discursan . It is an art that can not be separated from the experience, as there are in that short space-time which repetition becomes untenable, leading to his exhaustion.
The surface becomes a complete sense activator that which projects over it. A virtual space to which the public can physically enter because not us who broke into a cyber space that belongs to us as physical presence but in reverse. This strengthens and enforces a reality that is blurring between reality of mind and real as irrefutable truth of logic and physical. They are manifestations of socializing the space of the mind beyond the desktop window or cut, showing its importance. Perhaps one day soon, we know by mapping, software art, multimedia, mixing in a scene in which the cast on their dissimilar surfaces interactive display urban flood your landscape as if we were walking on the DACTIL screen ipad.

Laboratories and transdisciplinary experiences

Currently the support that many companies, banks and foundations give projects are interdisciplinary born mostly in universities, have led to the creation of so-called workshops experimental laboratories or labs are increasingly needed for development progressive contemporary societies in the new millennium. Then select some examples of labs with prospects and ways of working different that essentially seek a common good, enable sharing and qualitative development in the process of knowledge, so I close with fragments of interactive art from a text by Johannes Birringer taken from Interactive Manifesto and its fragments on reconfiguration script Abdel Hernandez San Juan, taken from his book the Given and the Ungiven.

It can be argued, therefore, that our fundamental interest in our working methods has always been the interaction with others and environments, trying to find expressive relationships and sensory experience with the processes of social / artistic oriented dynamic space. Relations process involved movement, voice, dialogue, project films and graphic images, music, built places or objects found, the networked / virtual worlds, instruments and fictional narratives.
Establish a space for testing for example a dancer interacting with writing software, or a composer carrying sensors on the body, or between electronic engineers and singers. Our performance have always been short, sometimes long, dynamic experiments in space production, providing the public with these areas through access navigation on site, taking visitors temporary virtual scenarios (interlinked, networked events).
Since most deployments public to end the actions of the laboratory were interdisciplinary and were intended to test the devices with the computational functionality of interface design and its potential aesthetic qualities, the nature of these hybrid events were not always evident and were certainly confusing to conventional expectations, as the echoes in the regional press can attest.
So together our operating philosophy is never scheduled: “Interactivity” unwritten and interact performance in computing environments using digital sensor or camera-based interfaces have not been our only impetus for examining technologically based participatory processes.
The link we call the interaction consists temporary solidarity and mergers. I borrow the term “link” (Sviaz) Russian filmmaker Dziga Vertov, who believed that the cinema of the 1920s, which was an emerging technology assembly of his time, offered a sense of connectedness and mix substances, a sense catalyze interactions between various objects and apparently incommensurable.
Our laboratory is find some relationships with a variety of emphasis on the speeches that arise every time a group of people gathered looking to meet their own preferences.

Interactive Lab, Johannes Birriger

These are the times that writing has to go herself as contiguity, the virtual page on the computer, or white paper, physical matter, its faticidad, and filosofarse there as writing, not as text, in relation to performativity, speach act and registration, speach act theory. Are the times, when writing is to be deslastrada to return on itself as cyber to ask in what ways will find writing on that trip over itself in this new journey, moments of herself that she would have abandoned or put aside , to meet them and read.
But writing and reading are themselves from the physical point of view different activities, writing is an activity that unwrap in the form of a scriptura, a sensory dáctilo typing or inscription as the media with which and upon which we develop if the digital typing in the relationship between the keyboard and a virtual page on the computer, through the glass, if a pen or pencil on a sheet of paper, or if it is even older forms as those in the material that provides registration must be, as in painting, returned to pick up again and again as the ink in the bottle to the pen, brush or through lithography, engraving or other means.
In this solution corresponds to the phenomenal and technological coseico, our writing is facing a challenge, a new challenge, mobility, dynamism, mutability, ludricidad, randomness and fractality cyber with mobilities and own suscitaciones him Tactilo place as sensory and perceptual phenomenon Tactilo against the vibrancy and vitality of something that, like nature itself, unfolds in the here and now of a vitalism that cibervegetarianismo. It is the challenge of being able to develop, reinvent and adapt to the ludricidad that cyber he supposed, while cyber entails, we know, this latter form of form, and the formal logic of all forms is the presence of the living present back technology, the absolute present cuyalógica is transcategorial and therefore moves beyond genres and inscriptions without which writing does not know how to develop. This is, of course, deed of inspiration and creativity that once very different from writing was inscribed on symbolic omitted as many deaths in that relationship of matter to the mausoleum stands. Iner related to time and contiguity writing resumes its vital present, the computer digito the target virtual page, the cursor, brush. If writing is at the moment, right now, in his moment of thought without those restraints, be assumed by cyber seduces, induces him, he moves, he communicates, writing then travels has been, in fact, by the effect of a send or chat

a attachments

Several tests forth in fractions of seconds, I read here,

On the web, on this surface,

On this site,

As planes beings

As a plane be writing is itself,
At that thickness which can be read,

Short here, I move there

These fragments.

Abdel Hernández San Juan, the language on your outside /

Bibliography

Abdel Hernández San Juan, LANGUAGE ON YOUR Out in The Given and the Ungiven. http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Dado.htm, London, England
Rosalind Krauss, Rosalind Krauss, Video: The Aesthetics of Narcissism, in Battock, G (ed), New Artists Video. A Critical Anthology. New York: E.P, 1978, pp 43-64
Johannes Birringer and Klaus Behringer, Interaction Labor Manifesto / Manifest der Interaktionskunst, September 2014, PoCul-Verlag
Domenico Quaranta, IN BETWEEN. Art and the Internet. Editorial black dog publishing. London
Domenico Quaranta, FROM OUTER SPACE TO THE WHITE CUBE / IN BETWEEN, Art and the Internet. Editorial black dog publishing. London
Marisa Olson, POSTINTERNET: ART AFTER THE INTERNET (2011), page 212. Art and the Internet. Editorial black dog publishing. London
Nicholas Lambert, INTERNET ART VERSUS THE INSTITUTIONS OF ART. Assay. Art and the Internet. Editorial black dog publishing. London
Juan Martin Prada, artistic practices in the age of Internet and social networks, Art and the Internet. Editorial black dog publishing. London
Olia Lialina, FLAT AGAINST THE WALL / Blog Art / 2007.Art and the internet. Editorial black dog publishing. London
Luis Pacora, video and interview Ryoichi Kurokawa, Documentary SPACE project. Fundación Telefónica, Spain.
Homo Ludens Ludens / THIRD TRILOGY DELIVERY OF GAME / Playware / GameWorld. Edition: Laboral Art and Industrial Creation, Spain.
Garcia, Andrea Grover, With Thumb STUDIO for Creative Inquiry at Carnegie and Miller Gallery Mellon University.

notes

1-Quote on the test / INTERNET ART VERSUS THE INSTITUTIONS OF ART Nicholas Lambert, page 14. Art and the Internet. Editorial black dog publishing. London
2- extracted from the pdf made by Cristina Figueroa distributed in the course of new media – ISA, Cuba 2014.
3-. Cymatics / The generic term for this field of science is the study of modal phenomena, retitled Cymatics by Hans Jenny, a Swiss physician and pioneer in this field, to describe the periodic effects that sound and vibration have on the subject. / Wikipedia 2012.
4- The term Postinternet was first conceived by the artist Marisa Olson, more widely announced after an interview in 2008, conducted through the site We Make Money Not Art. His definition recognizes that art Internet can no longer distinguished as a strict basis between the computer / internet, but it can identify any kind of art that somehow is influenced by the Internet and digital media.

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